Independent Cinema USA

Edison Kinotrest

The Motion Picture Patents Company, MPPC , better known as the Edison Trust , Edison Trust , was founded in 1908 . Edison's trust was created as an agreement between rival studios that held a monopoly on the production of films and their distribution . It included all the major film companies of the time ( Edison , Biograph, Vitagraph , Essanay , Selig, Lubin, Kalem, American Star, American Pathé ), a leading distributor (George Kleine) and the largest supplier of Eastex Kodak unexposed film . A number of filmmakers refused to join the company or they were denied trust and were called "independent."

During the formation of the MPPC, Thomas Edison held the majority of key patents in the field of film technology . George Eastman , who supported the film trust, was also a monopolist, producing more than 90% of the world's total unexposed film. MPPC demanded strict observance of its patents, constantly issuing orders against independent filmmakers. In this regard, some directors moved their filming to Hollywood, California, where the distance from the main base of Edison in New Jersey made them more inaccessible to MPPC and its patents.

The Edison Trust was soon closed thanks to two decisions of the US Supreme Court : the first in 1912, which revoked the patent for unexposed film, and the second in 1915, which revoked all MPPC patents. Although these decisions managed to legalize independent films and rectify the de facto ban on small film productions, independent directors who fled to Southern California have already managed to lay the foundation for classic cinema in Hollywood .

The origin of the studio system

In early 1910, director D.W. Griffith was sent by the Biograph Company to the west coast with his acting troupe, which consisted of actors Sweet Blanche , Lillian Guiche , Mary Pickford , Lionel Barrymore and others. They started filming in a wasteland next to Georgia Street in downtown Los Angeles . At this time, the company decided to explore new territories, breaking a few miles to the north, in the direction of Hollywood . The small village was friendly to the team of filmmakers. Griffith created here the very first film ever made in Hollywood, In Old California , a melodrama about California in the 1800s when it belonged to Mexico. The Biographer company stayed there for a month and managed to make several films before returning to New York.

During the Edison Trust in the early 1900s, many Jewish immigrants found work in the US film industry. Under the Edison Trust, they were able to make a career in a completely new business. For several years, ambitious people such as Samuel Goldwin (MGM), Harry Cohn (Columbia Pictures), Karl Lemmle (Universal Pictures), Adolf Zucor (Paramount Pictures), Louis Mayer and the Warner Brothers (Harry, Albert, Sam and Jack ) switched to the production side of the business. After rumors about the success of Biograph in Hollywood, in 1913 many potential filmmakers went west to avoid the fees set by the Edison Trust. Soon they became heads of enterprises of a new type: film studios .

By creating a new production, distribution and distribution system that was independent of the Edison Trust in New York, these studios opened new horizons for cinema in the United States . The Hollywood monopoly has replaced the monopoly of the Edison Trust. As part of this new system, a hierarchy was created that left little room for beginners. At the top were five major studios: 20th Century Fox , Metro-Goldwyn-Mayer , Paramount Pictures , RKO Pictures and Warner Bros. Below them were Columbia Pictures , United Artists and Universal Studios . A little later, the term “Poverty Row” appeared, which is used to refer to any other smaller film studios that have managed to fight for their place in the movie business. It is worth noting that, despite the small Poverty Row studios, which can be described as existing “independently” from any large studios, they used the same type of vertically and horizontally integrated business systems as the major players in the market. However, such a system of film studios and restrictions may collapse, which will enable independent film studios to fill the market with their Poverty Row products, which will lead to the disappearance of Poverty Row as a Hollywood phenomenon. While films produced by Poverty Row Studios only grew in popularity, they ultimately became more affordable than films from major production companies and independent producers, which no longer needed to rely on the studio’s ability to pack and rent them. works.

The following table lists the categories that are commonly used to characterize the Hollywood system:

Unification of creative people and opposition to film studio systems

Studio systems quickly became so powerful that some filmmakers again sought independence. On February 5, 1919 , four of the leading figures in silent American cinema ( Mary Pickford , Charles Chaplin, Douglas Fairbanks and D.W. Griffith) formed United Artists (UA), the first independent studio in America. Each owned a 20% stake, and the remaining 20% ​​belonged to lawyer William Gibbs McAdoo. The idea of ​​such a venture came from Fairbanks, Chaplin, Pickford and cowboy star William S. Hart a year earlier, when they traveled around the United States selling bonds to help in the First World War . As veterans of Hollywood, the four stars of the film talked about creating a company to strengthen their own control over their own work. They were pushed to action by Hollywood producers and distributors, who took steps to tighten control over their stars' salaries and creative licenses. With the addition of Griffith, planning began, but Hart left them before everything was completed. “When he heard about their scheme,” said Richard A. Rowland, head of Metro Pictures , “he said:“ Prisoners are taking over the madhouse. ”

Four partners on the advice of Macadou (former Minister of Finance and son-in-law of then President Woodrow Wilson ) formed their distribution company with H. Abrams as the first managing director. Initial conditions encouraged Pickford, Fairbanks, Griffith and Chaplin to independently produce five paintings a year, but by the time the company began work in 1920-1921, feature films were becoming more expensive and more sophisticated, and the timing was about ninety minutes (or eight reels with a film). It was believed that no one, regardless of popularity, could not take part in five high-quality feature films a year. By 1924, Griffith abandoned the company and it faced a crisis: either throw all the resources to maintain an expensive distribution system, or fail. Production veteran Joseph Schenck was hired as president of the company. He not only produced paintings for ten years, but also made a commitment to starring his wife, Norma Talmadge, his wife’s sister, Constance Talmadge, and his wife’s brother, Buster Keaton . Contracts have been signed with a number of independent manufacturers, especially Samuel Goldwyn, Alexander Korda and Howard Hughes. Schenk also formed a partnership with Pickford and Chaplin to buy and build theaters called United Artists.

However, even with the expansion, United Artists was having problems. With the advent of sound cinema , Pickford and Fairbanks ended their careers. Chaplin was already quite wealthy and worked only occasionally. In 1933, Schenk and Darryl Zanuk founded the new company Twentieth Century Pictures , which soon shot four paintings a year (almost half of the production of United Artists), and when in 1935 Schenk was denied partial ownership of United Artists, he left her, arranging the merger of “20th Century Pictures and Fox Film Corporation, which formed the 20th Century Fox film company. As the president of United Artists, Shenk was replaced by former sales manager Alexander Lichtman, who himself resigned after only a few months of work. At different times, independent proletarians such as Goldwin, Korda, Walt Disney , Walter Wanger, and Selznik distributed films through United Artists, but by 1940 the dynamics of the business changed and these partners left: Goldwin and Disney in RKO , Wagner in Universal Pictures , and Selznik - retired. Television, which supplanted movie theaters, also had its effect, so by the end of 1940 United Artists had virtually ceased to exist as a producer and distributor of films.

Society of Independent Filmmakers Motion Picture

In 1941 , Mary Pickford , Charles Chaplin , Walt Disney , Orson Welles , Samuel Goldwin , David Selznik , Alexander Korda and Walter Wanger - many of the same people who were members of United Artists , founded the Society of Independent Filmmakers, abbreviated SIMPP . Later, William Cogney, Saul Lesser and Hal Roach also became its members. The society was aimed at preserving the rights of independent filmmakers, the vast majority controlled by the studio system. In fact, the SIMPP community was able to break the monopoly of the seven largest Hollywood studios that controlled the production, distribution and screenings of films.

In 1942 , SIMPP filed an antitrust lawsuit against Paramount's United Detroit Theaters. The complaint accused Paramount of conspiring to occupy theaters in Detroit. This was the first antitrust lawsuit filed against major film companies.

In 1948 , the U.S. Supreme Court decided to order Hollywood movie studios to sell cinema chains and eliminate anti-competitive practices. This actually put an end to the Hollywood golden age studio system.

By 1958 , SIMPP completed its mission and closed offices.

Low Budget Films

Thanks to the efforts of SIMPP and the advent of inexpensive portable cameras during the Second World War, for anyone in America interested in making films, it became possible to write, produce movies directly without the help of a major film studio . These circumstances soon revealed, thanks to critics, a number of outstanding works, including “Midday Shadows” by Maya Derain in 1943, “Fireworks” by Kenneth Enger in 1947 and “Little Runaway” by Morris Engel, Ruth Orkin and Ray Abrashkin in 1953. Filmmakers: such as Ken Jacobs, without special education began to experiment with new ways of filming.

"Little Runaway" was the first independent film nominated for an Oscar for best original screenplay. He also received the Silver Lion in Venice . Both films by Engel and Angers received recognition abroad from the New Wave , and Fireworks received accolades and invitations to study in Europe with Jean Cocteau , and Francois Truffaut , who cited The Little Runaway as the most important source of inspiration for his main work , “ Four hundred strokes .” In the 1950s, a new paradigm of low-budget cinema progressed, which received wide international recognition for films such as the Satyajit Rai film The Apu Trilogy, which was approved by critics (1955-1959).

Unlike the films of the ruined studio system, these new low-budget films could afford to take risks and open up new artistic horizons beyond the classic Hollywood patterns. Crowds of like-minded avant-garde directors from New York who were interested in creating films as works of art, rather than entertainment, soon joined Maya Derain. Based on the common belief that “official cinema” is “short of breath” and it has become “immoral, aesthetically obsolete, has become thematically superficial, temperamentally boring”, [9] this new generation of independent filmmakers forms the Society of Cinematographers, promising artists and non-profit organizations, which they will use to distribute their films through a centralized archive. Founded in 1962 by Jonas Mekas , Stan Brackidge , Shirley Clark , Gregory J. Marcopoulos and others, the Society served as the main outlet for many creative film stars in the 1960s, including Jack Smith and Andy Warhol . When Ken Anger returned to America, he made his debut with many important works. Mekas and Brackidge continued to work with Anthology Film Archives in 1970, which also proved to be a prerequisite for the development and preservation of independent films to this day.

Development Boom and MPAA Rating System

Not all low-budget films existed as non-profit art enterprises. Films like Little Fugitive , which are made with a low (and sometimes even no) budget, are hugely popular with non-studio movie fans. The low budget of the film promises a potentially greater return (in terms of interest) if the film is successfully rented in cinemas. At this time, independent producer / director Roger Corman began a wide range of work that will become legendary examples of the frugality and exhaustion of the shooting schedule. Prior to his so-called “retirement” as a manager in 1971 (he continued to produce films, even after that date), he could produce up to seven films a year, which often exceeded the production schedule.

As at the forefront, Roger Corman's films take advantage of the fact that, unlike the studio system, independent films have never been bound by the Hayes Code . The example of Corman (as well as others like him) helped create a boom in independent B-movies in the 1960s, the main purpose of which was to settle on the youth market, with which major studios lost touch. By promising sex , senseless violence, drug use and nudity, these films hoped to attract an audience in independent movie theaters, offering to show them something that major studios could not. Horror films and science fiction have experienced a period of tremendous demand during this time. As these were tiny producers, movie theaters, and distributors continued to undermine each other, B-class films, in terms of production costs, soon fell to the level of Z movie films. Популярность этих картин вскоре сделала такие фильмы идеальными для полуночных кинопоказов.

В 1968 году молодой режиссёр по имени Джордж Ромеро шокировал публику фильмом « Ночь живых мертвецов » ( Night of the Living Dead ) с новым видом напряжённости и беспощадности в независимых фильмах ужасов. Этот фильм был выпущен сразу после отказа от кодекса Хейса, но до принятия системы рейтинга MPAA. По существу, это был первый и последний фильм в своём роде, который прошёл полностью неограниченным прокатом, в котором маленькие дети смогли стать свидетелями реалистичных кровавых сцен. Этот фильм помог установить атмосферу независимых ужасов на десятилетия вперед, а такие фильмы, как « Техасская резня бензопилой » (1974)) и « Ад каннибалов » (1980) продолжали выходить за границы.

После отказа от кодекса Хейса страшные и жестокие фильмы стали набирать популярность, поэтому Голливуд решил успокоить взволнованную публику системой рейтингов MPAA, которая смогла наложить ограничения на продажу билетов для молодёжи. В отличие от кодекса Хейса, эта рейтинговая система представляла угрозу для независимых фильмов тем, что она повлияла на количество билетов, которые они могли продать в кинотеатрах- грайндхаусах . Это изменение способствовало дальнейшему расширению пропасти между коммерческим и некоммерческим кино.

Новый Голливуд и независимое кинопроизводство

Следом за телевидением и Paramount Case крупные студии пытались заманивать зрителей эффектным зрелищем. Экранные уловки, широкоформатные показы и технические усовершенствования, такие, как CinemaScope , стереозвук , 3-D и другие, были изобретены для того, чтобы остановить сокращение аудитории, давая зрителям больше, чем их жизненный опыт.

В 1950-х и начале 1960-х годов в Голливуде доминируют мюзиклы, исторические эпосы и другие подобные фильмы. Они оказались коммерчески жизнеспособными в течение большей части 1950-х годов. Тем не менее, к концу 1960-х годов доля аудитории сокращается с угрожающей скоростью. Несколько дорогостоящих провалов, в том числе Клеопатра и Хелло, Долли! вызвали серьёзное беспокойство в студии. Между тем, в 1951 году, юристы, ставшие продюсерами Arthur Krim и Robert Benjamin, заключили сделку с остальными акционерами United Artists, которая позволила им сделать попытку возродить компанию и, если попытка будет успешной, купить её после пяти лет. Попытка оказалась успешной, и в 1955 году United Artists стала первой студией без фактической студии. UA арендовали площади на Пикфорд/Фэрбенкс студии, но не владели студией как таковой. Из-за этого, многие из их фильмов будут тут же «завёрнуты». В первую очередь выступая в качестве банкиров, они предложили денег независимым производителям. Таким образом UA не имеют накладных расходов, технического обслуживания или дорогого производственного персонала, затраты на которые начислялись в других студиях. UA стала публичной в 1956 году, и, в отличие от других крупных киностудий, пришедших в упадок, UA процветала, укрепив отношения с Mirisch brothers, Billy Wilder, Joseph E. Levine и другими.

К середине 1960-х годов RKO рухнула полностью, а остальные четыре из большой пятёрки признали, что они не знают, как достучаться до молодёжной аудитории. Иностранные фильмы, особенно европейское и японское кино, переживали бум популярности у молодых людей, которые были заинтересованы в фильмах с нетрадиционными вещами и новыми повествовательными структурами. Они, как и американские независимые фильмы, были обременены кодом продукции. В попытке захватить эту аудиторию студии наняли множество молодых кинематографистов (многие из которых были учениками Роджера Кормана) и позволили им сделать свои фильмы с относительно небольшим вмешательством студий в процесс.

В 1967 году Warner Brothers предложила начинающему продюсеру Уоррену Битти 40 % прибыли с его фильма Бонни и Клайд , а не минимальную плату. Фильм собрал более 70 миллионов долларов по всему миру к 1973 году. Этот изначальный успех проложил путь студии к тому, чтобы практически отказаться от полного контроля поколения киношколы и начал то, что СМИ окрестили « Новый Голливуд ».

16 мая 1969 Деннис Хоппер , молодой американский актёр, сделал сценарный и режиссёрский дебют с фильмом «Проходимец» . Вместе со своим продюсером/соактёром/соавтором Питером Фонда Хоппер был ответственен за один из первых полностью независимый фильм Нового Голливуда. «Easy Rider» дебютировал в Каннах и получил «First Film Award» ("Prix de la premiere oeuvre "), после чего он получил две номинации на Оскар, одна за лучший оригинальный сценарий, а другая Джеку Николсону в роли адвоката-алкоголика из American Civil Liberties Union.

Следуя по стопам «Easy Rider», чуть более недели спустя был возрожден фильм Полуночный ковбой компании United Artists. Он стал первым и единственным фильмом X-рейтинга, который выиграл премию Американской киноакадемии за лучший фильм. В «Полуночном ковбое» приняли участие в эпизодических ролях многие из суперзвезд Энди Уорхола, которые уже стали символами антиголливудских настроений среди независимого киносообщества Нью-Йорка.

В течение месяца другой молодой стажёр Кормана, Фрэ́нсис Форд Ко́ппола , дебютировал в Испании в Donostia-San Sebastian International Film Festival с лентой The Rain People и фильм, который он снял с помощью собственной компании, American Zoetrope . Хотя «Люди дождя» в значительной степени игнорируются американской аудиторией, American Zoetrope стала мощной силой в Новом Голливуде. Через Zoetrope Коппола сформировал дистрибьюторское соглашение с гигантской студией Уорнер Бразерс, которое он использовал для широких релизов своих фильмов, работая без контроля студии.

Это дало пример для подражания крупным голливудским студиям и возможность извлечь из нового поколения новые таланты. В 1971 году соучредитель Zoetrope Джордж Лукас совершил свой дебют с художественным фильмом «Галактика THX 1138», релизом которого занимался Zoetrope. Тем самым Лукас заявил о себе, как об ещё одном серьёзном таланте Нового Голливуда. К следующему году лидеры новой голливудской революции сделали себе имена, и Копполе был предложен парамаунтский трёхсерийный гангстерский эпос «Крестный отец». Тем временем Лукас получил финансирование для студии American Graffiti от Universal. В середине 1970-х годов крупные голливудские студии продолжают использовать этих новых режиссёров, производя своеобразные, поразительные и оригинальные фильмы, такие как Paper Moon , Dog Day Afternoon и Taxi Driver , каждый из которых встречался с огромным коммерческим успехом и положительными отзывами критиков. Успехи членов нового Голливуда привели в итоге к возрастанию непомерных требований, как от студий, так и от аудитории.

Часто кажется, что все члены нового поколения Голливуда были независимыми режиссёрами. Хотя все вышеупомянутые начинали со значительными претензиями на высокий титул, почти все основные их фильмы обычно были проектами студий. Новое поколение Голливуда вскоре прочно вошло в возрождённое воплощение системы студий, которые финансировали разработку, производство и распространение своих фильмов. Очень немногие из этих режиссёров когда-либо финансировались независимо или выпускали фильм самостоятельно, или когда-либо работали с независимым финансированием производства. Вероятно, независимые фильмы, такие, как Taxi Driver , The Last Picture Show и другие, были студийными фильмами: сценарии были заказаны и впоследствии оплачены студиями, производство и финансирование было из студий, а также маркетинг и распространение фильма были разработаны и управлялись студиями. Хотя Коппола приложил значительные усилия, чтобы противостоять влиянию студии, предпочитая финансировать сам свой рискованный фильм 1979 года Апокалипсис сегодня , не пойдя на компромисс со скептически настроенными руководителями студий, он и фильмейкеры спасли старые студии от финансового краха, предоставив им новую формулу успеха.

Действительно, именно в этот период само определение независимого кино стало размытым. Хотя Полуночный ковбой был профинансирован United Artists, компания была, конечно, студией. Кроме того, Zoetrope был ещё одной «независимой студией», которая работала в системе, чтобы создать пространство для независимых режиссёров, которым необходимо финансирование. Джордж Лукас оставил Zoetrope в 1971 году, создав свою собственную независимую студию, Lucasfilm , которая впоследствии будет производить блокбастеры Звёздные войны и франшизу Индиана Джонс . По сути, есть только два фильма, которые могут быть описаны как бескомпромиссно независимое кино - это «Easy Rider» и They All Laughed Peter Bogdanovich. Peter Bogdanovich выкупил права у студии на свой фильм в 1980 и заплатил за его распространение из своего кармана, убеждённый, что картина была гораздо лучше, чем посчитала студия — в итоге он обанкротился из-за этого.

Оглядываясь назад, можно сказать, что Челюсти (1975) Стивена Спилберга и Звёздные войны (1977) Джорджа Лукаса положили начало конца для Нового Голливуда. С их беспрецедентными кассовыми успехами эти фильмы стали толчком для Голливудских блокбастеров, давая студиям новый образец того, как делать деньги в этом меняющемся коммерческом пространстве. Акцент на высоко концептуальные торговые помещения с большей концентрацией товаров (например, игрушек), побочные товары, например, саундтреки, а также использование сиквелов (которые стали более востребованными после The Godfather Part II Копполы), всё это показало студиям, как заработать деньги в новых условиях.

Поняв, сколько денег потенциально может быть заработано на фильмах, крупные корпорации начали скупать оставшиеся голливудские киностудии, спасая их от забвения, постигшее RKO в 1950-х годах. В итоге, даже RKO был возрождён. Корпоративный менталитет этих компаний заставил кинопроизводственный бизнес медленно выжимать все соки из молодых уникальных кинематографистов, работая с более гибкими и коммерчески успешными из них. Как и ранние независимые кинематографисты, бежавшие от Edison Trust, чтобы сформировать старый Голливуд, молодые выпускники киношкол, которые бежали от студий, чтобы изучить съёмки на локациях, неореалистические стили и структуры закончилось заменой тиранов, которых они стремились вытеснить с более стабильной и всепроникающей базы власти.

За пределами Голливуда

С 1970-х годов американское кино довольно реалистично изображало секс и насилие. Режиссёры, которые хотели достичь массовой аудитории старого Голливуда, быстро научились стилизовать эти темы, чтобы сделать свои фильмы привлекательными и заманчивыми, а не отталкивающими или непристойными. Тем не менее, в то же время либеральные студенты Американской новой волны развивали новые навыки, которые они впоследствии использовали для того, чтобы взять Голливуд на себя; многие из их одноклассников начали развиваться в другом направлении. Под влиянием иностранных артхаусных режиссёров (таких, как Ingmar Bergman и Federico Fellini ), которые эксплуатировали шокирующие сцены в своих фильмах (в том числе Joseph P. Mawra, Michael Findlay и Henri Pachard ) и тех, кто ходил по грани ( Kenneth Anger , и др.), многие молодые кинематографисты начали экспериментировать с нарушениями не для кассовости, а для художественного акта. Такие режиссёры как John Waters и Дэвид Линч сделали себе имя в начале 1970-х годов на странных и часто тревожных образах, которые характерны для их фильмов.

Когда первый фильм Линча « Голова-ластик » 1977 года привлёк внимание продюсера Мела Брукса , Линч вскоре смог приступить к фильму « Человек-слон » для Paramount за 5 миллионов долларов. Фильм имел огромный коммерческий успех и получил восемь номинаций киноакадемии, включая лучшую режиссуру и лучший адаптированный сценарий. Фильм также показал себя коммерчески жизнеспособным. Видя Линча в качестве нового сотрудника студии, Джордж Лукас , фанат фильма « Голова-ластик », предложил Линчу возможность снять свои следующие « Звёздные войны. Эпизод VI: Возвращение джедая ». Тем не менее, Линч видел, что случилось с Лукасом и его товарищами по оружию после неудачной попытки покончить со студийной системой. Он отказался от этой возможности, заявив, что предпочел бы работать над своими собственными проектами.

Вместо этого Линч выбрал работу над адаптацией фантастического романа Фрэнка Герберта « Дюна » для De Laurentiis Entertainment Group, при условии, что компания выпустит второй проект Линча, над которым режиссёр будет иметь полный творческий контроль. Хотя Dino De Laurentiis надеялся, что новым проектом будут следующие «Звездные войны», «Дюна» (1984) Линча провалилась в прокате при стоимости 45 млн долл., собрав лишь 27,4 млн долл. на внутреннем рынке. Производитель был в ярости от того, что теперь он будет вынужден позволить Линчу сделать любой фильм, который он только захочет. Он предложил Линчу всего 6 млн долл., полагая, что так сможет избавиться от режиссёра. Однако, фильм « Синий бархат » имел ошеломляющий успех. Линч впоследствии вернулся к своим независимым корням, и не работал с другими крупными студиями уже более десяти лет.

Other key players in this movement were Kembra Pfahler, Casandra Stark, Beth B, Tommy Turner, Richard Kern and Lydia Lunch . Rallying around institutions such as the Society of Cinematographers and the Anthology Film Archives, this new generation of independent filmmakers has dedicated itself to creating a new Hollywood, saying that "all film schools will be blown up, and all boring films will never be made again."

Since the 1990s, the rise and success of independent cinema has been observed not only at film festivals, but also at the box office, and with the appearance of actors such as Bruce Willis , John Travolta and Tim Robbins, independent films have also become popular with Hollywood studios. In 1990, New Line Cinema, the Teenage Mutant Ninja Turtles , raised more than $ 100 million in the United States, making it the highest grossing successful indie movie in history. Miramax Films had hits such as Sex, Lies and Videos , My Left Leg , and Clerks , which ranked Miramax and New Line Cinema as big companies wishing to capitalize on the success of independent studios. In 1993, Disney bought Miramax for $ 60 million. Turner Broadcasting in 1994 acquired, in a billion-dollar deal, New Line Cinema, Fine Line Features and Castle Rock Entertainment . The acquisition was a good step for Turner Broadcasting. When New Line released Mask and Dumb and Dumber in 1994, Castle Rock released Escape from the Shawshank , and Miramax released Pulp Fiction .

The acquisition of small studios by the Hollywood conglomerate was a plan to partially take on an independent film industry and at the same time establish their own independent studios. The following are all indie studios owned by the Hollywood conglomerate:

• Sony Pictures Classics 1992
• Fox Searchlight Pictures 1995
• Paramount Vantage 1998
• Focus Features 2002
• Warner Independent Pictures 2003 ^[1]

By the early 2000s, Hollywood was producing three different categories of films and creating three different classes of feature films using three different types of producers.

1) Big budget blockbusters.

High-quality products (big-budget blockbusters with expensive stars and cars) were produced by six major film companies. The budgets of large studios for filming amounted to approximately $ 100 million, while about one third of the studios spent on marketing because of the large release.

2) Low-budget feature films created by independent filmmakers.

Another class of Hollywood films includes feature films produced by independent filmmakers. Budgets for these indie films average $ 40 million in the early 2000s, plus from $ 10 million to $ 15 million for marketing expenses.

3) Genre and special films made by true indie studios and producers.

This category consists of genre films created by independent producers and distributors for only a few dozen or perhaps several hundred releases in some urban markets. Such films typically cost less than $ 10 million, but often less than $ 5 million, with a small marketing budget.

Today, due to the large volume of low-cost digital cinema equipment available at the consumer level, independent filmmakers are no longer dependent on the major studios and their equipment needed to make the film. Thanks to lower technology costs, thousands of small production companies can get the resources they need to create entertaining films. Post-production has also been simplified with non-linear editing software available for home computers .

Currently, the main studios in Hollywood are the so-called five Golden Age Studios. Their products are still characterized by familiar stories and conservatism in casting and filming. Companies such as Lucasfilm continue to exist, co-financing their production and partnerships with a large six distribution studios. In fact, co-financing has become a growing trend in modern Hollywood. More than two-thirds of films released by Warner Bros. in 2000, funded as joint ventures (compared with 10% in 1987).

In an attempt to capitalize on the boom of independent films, the big six of today's major studios have created a number of independent subsidiaries to create films that are less commercial, but more manageable in nature and content, that attract market attention to the arthouse. These companies include MGM, UA (under MGM), New Line Cinema, HBO Films, Castle Rock Entertainment , Disneynature, DreamWorks , Sony Pictures Classics, Fox Searchlight Pictures , Miramax Films , Warner Independent Pictures, Picturehouse, Paramount Classics / Paramount Vantage , Go Fish Pictures (under DreamWorks), Focus Features , Screen Gems, TriStar Pictures , Destination Films, Fox Faith, Fox Atomic , Gener8Xion Entertainment, Hollywood Pictures , Rogue Pictures , Five & Two Pictures, New Name Pictures, Sherwood Pictures.

The growing popularity and possibilities of low-budget films over the past 15 years have led to a huge increase in the number of filmmakers and aspiring people who have written scripts and synopsises and who are hoping to find several million dollars to turn their script into a successful independent film such as Mad Dogs , Little Miss Happiness or Juneau. Such filmmakers often work in day jobs while they promote their independent film scripts to production companies, talent agents, and wealthy investors. Their dreams are much more achievable than they were before the independent film revolution, because there is no longer any need to enlist the support of large studios in order to gain access to millions of dollars and make their own film.

Independent film production has reduced demand for short films and short film festivals. Feature films are often featured at film festivals such as HANDMOVIE, Slamdance Film Festival, South By Southwest, Raindance Film Festival, ACE Film Festival or Cannes Film Festival . The prize winners of these festivals are most likely to be seen by major film studios.

The following studios are considered the most famous in the field of modern independent studios (they are used for production / filming of independent films and foreign films in America):

• Film4 Productions
• Lions gate films
• Summit entertainment
• Overture Films (out of business)
• Hannover house
• IFC Films
• Samuel Goldwyn Films
• The Weinstein Company / Dimension Films
• Magnolia pictures
• Palm pictures
• Tartan films
• Newmarket films
• Thinkfilm
• Troma entertainment
• Maverick entertainment group
• First Look Studios (come out of business)
• Image entertainment
• Maya entertainment
• Entertainment one
• Phase 4 Films
• Yari film group
• Screen Media Films
• LD Entertainment
• Millennium entertainment

In addition to these higher profile independent studios, there are thousands of small companies that produce independent films every year. These small companies strive to release their films in theaters of their state and, finding additional funding and resources for distribution and advertising , exhibit their projects nationwide. You can’t often see quality artwork in the video market, but amidst many independent films you can see ambitious independent films that couldn’t reach the box office. Now there is a clear distribution between films that will be sold only on DVD, and full-length videos, the main distribution channel of which is fully electronic.

In 1981, Robert Redford established the Sundance , an American independent film institute, which has held the eponymous international film festival since January 1985.

One third of all American independent films are produced in New York .

famous works

• Pulp Fiction (1994, dir. K. Tarantino, Miramax ) ^[2]

Manufacturing Technologies

With the advent of consumer camcorders in 1985, and more importantly, with the advent of digital video in the early 1990s, the barrier to movie production technology has declined. Independent cinema developed in the 1990s and 2000s and was stimulated by a number of factors, including the development of affordable digital cinema cameras that could compete with high-quality 35 mm film , plus easy-to-use computer editing software . Before digital alternatives became available, the cost of professional equipment and equipment for making films was a serious obstacle for independent filmmakers who wanted to make their own cinema (in 2002, the cost of 35 mm film went up 23%, depending on its type) . Personal computers and non-linear editing dramatically reduced post-production costs, while technologies such as DVDs , Blu-ray discs and online video services made distribution easier. Even 3-D technology is now available for low-budget independent filmmakers.

Thanks to new technologies such as Arri Alexa , RED Epic, and many new SLR cameras , independent movie makers can create frames that look like 35 mm film, but without that high cost. These cameras also work well in low light conditions. In 2008, Canon released the first digital SLR camera, the Canon EOS 5D Mark II , which could shoot high-definition video. With the creation of 5D Mark II, and subsequent "DSLRs" that shoot video, independent directors have the opportunity to shoot video with a resolution of 1920x1080 pixels in progressive scan ( 1080p ) and 24 frames per second (this frame rate is considered the standard in the movie). In addition, these photo cameras allow for greater control over the depth of field , greater capabilities in low light and a wide variety of interchangeable lenses - things that independent directors have been waiting for for many years.

In addition to the new digital cameras, independent filmmakers benefit from new editing software. Instead of having to use post-production studios for editing, independent filmmakers can now use a personal computer and software to cheaply edit their films. Editing software, which includes Avid Media Composer , Adobe Premiere Pro , Final Cut Pro , (Color Grading Software) DaVinci Resolve, and more. These new technologies allow independent filmmakers to create films that are comparable to high-budget films.

Director Francis Ford Coppola is a longtime advocate of new technologies such as non-linear editing and digital cameras. In 2007, he said, “Escaping a movie from the control of financiers is a wonderful thing. You don’t need to wander around with distributors and say: “Please let me make a film”. ”

• Hollywood cinema
• Studio system (classic Hollywood movie)

• Lyons, Donald. Independent Visions: A Critical Introduction to Recent Independent American Film. - Ballantine Books, 1994. - ISBN 0-345-38249-8 .
• Vachon, Christine. A Killer Life: How an Independent Film Producer Survives Deals and Disasters in Hollywood and Beyond. - Simon & Schuster, 1996. - ISBN 0-7432-5630-1 .
• Redding, Judith. Film Fatales: Independent Women Directors. - Seal Press, 1997. - ISBN 1-878067-97-4 .
• Levy, Emanuel. Cinema of Outsiders: The Rise of American Independent Film. - New York University Press, 1999. - ISBN 0-8147-5123-7 .
• Merritt, Greg. Celluloid Mavericks: The History of American Independent Film. - Thunder's Mouth Press, 2000. - ISBN 1-56025-232-4 .
• Biskind, Peter. Down and Dirty Pictures: Miramax, Sundance, and the Rise of Independent Film. - Simon & Schuster, 2004. - ISBN 0-684-86259-X .
• Pierson, John. Spike Mike Reloaded. - Miramax Books, 2004. - ISBN 1-4013-5950-7 .
• Levy, Emanuel. Cinema of Outsiders: The Rise of American Independent Film. - NYU Press, 2001. - ISBN 978-0-8147-5124-4 .
• Hall, Phil. The History of Independent Cinema. - BearManor Media, 2009. - ISBN 1-59393-335-5 .
• Richard Dyer Maccann. Independence, with a Vengeance (English) // Film Quarterly : journal. - University of California Press. - Vol. 15 , no. 4 . - P. 14-21 . - DOI : 10.1525 / fq.1962.15.4.04a00060 .

• Independent movie section in IMDb
• The history of American independent cinema (1948-1978)