Sculpture

Charles Townley in his sculpture gallery, Johann Zoffany , 1782

The main genres of sculpture

• portrait
• historical;
• mythological;
• domestic;
• symbolic ;
• allegorical ;
• animalistic.

Artistic and expressive means of sculpture:

• construction of the volume form;
• plastic model building (modeling);
• silhouette development;
• development of texture (in some cases also colors ).

Types of sculpture:

• round sculpture ( statue , group, figurine , bust ), viewed from different sides and surrounded by free space;
• relief , where the figure appears to be partly immersed in a flat background and protruding from it.

There are three types of relief:

• bas-relief (a convex figure protrudes less than half);
• high relief (convex figure protrudes half);
• contrarelief (the figure is not convex, but, on the contrary, recessed)

Depending on the purpose of the sculpture is divided:

• monumental sculpture ( monuments , monuments ) associated with the architectural environment. Distinguished by the significance of ideas, a high degree of generalization, large size;
• monumental-decorative sculpture includes all types of decoration of architectural structures and complexes ( Atlantes , caryatids , friezes , pediment , fountain , landscape sculpture);
• The easel sculpture, not dependent on the environment, has dimensions close to or smaller than the nature and specific in-depth content. Designed for perception at close range.

The method for producing the sculpture depends on the material:

• plastic - increasing the volume of the sculpture by adding a soft material (clay, wax)
• sculpting - cutting off unnecessary parts of solid material (stone and other materials)
• casting - the work arises due to the injection into the form of molten metal (bronze, for example)

Regarding the material and method of image execution, sculpture, in the broad sense of the word, splits into several industries: modeling or modeling is the art of working with soft material, such as wax and clay ; Foundry or torevtika - the creation of embossed works of metal by embossing, chasing or casting; glyptic - the art of carving on precious stones; Sculptures include stone, wood, metal, and generally solid materials; In addition, the production of stamps for coins and medals (medal art).

The height and length of the piece can be increased to 80 centimeters and meters. It can be replicated industrially, which is not typical for easel sculpture. Arts and crafts and small forms of sculpture form a symbiosis with each other as the architecture of the building with its adorning round sculpture, forming a single ensemble . The sculpture of small forms develops in two directions - as the art of mass things and as the art of unique, isolated works. Genres and directions of small sculpture - portrait , genre compositions, still life, landscape . Small, spatial-volumetric forms, landscape design and kinetic sculpture.

Other types of sculpture

Kinetic sculpture is a kind of kinetic art in which the effects of real movement are played up. Ice sculpture is an artistic composition made of ice. Sand sculpture - art composition, made of sand. The materials of the sculpture are metal , stone , clay , wood , gypsum , sand , ice , etc .; methods of their processing - molding , die-cutting, art casting , forging , chasing , etc.

In undertaking any work, the sculptor, first of all, makes a drawing or photo, then performs a mathematical calculation of the work (determines the center of gravity of the product, calculates the proportions); then sculpts a mock-up in a small form of wax or wet clay , conveying the idea of ​​his future work. Sometimes, especially in the case when the conceived statue should be great and difficult, the artist has to make another, larger and detailed model. Then, guided by the layout or model, he proceeds to work on the work itself. If a statue is to be performed, then the board is taken for its foot and a steel frame is affirmed on it, curved and fitted in such a way that not a single part of it goes beyond the boundaries of the future figure and he himself serves for it as if it were a skeleton; in addition, in those places where the body of the figure should be of considerable thickness, wooden crosses are attached to the frame with steel wire; in the same parts of the figure that are thrown into the air, for example, in the fingers, hair, dangling folds of clothes, wooden crosses are replaced with twisted wire or hemp , saturated with oil and rolled up in the form of harnesses . Having placed such a skeleton of a statue on a tripod, stationary or horizontally rotating machine, called a filly , the artist begins to cover the frame with molded clay so that a figure in general similar to the model is obtained; then, removing excessively superimposed clay in one place, adding its disadvantage in another, and trimming it piece by piece in the figure, he gradually brings it to the desired similarity with nature. For this job he serves palm or steel tools of various shapes, called stacks , but even more fingers of his own hands. During the whole continuation of modeling it is necessary, in order to avoid the appearance of cracks in the drying clay, to constantly maintain its humidity and for this, from time to time, wet the figure or splash the figure with water, and, interrupting work until the next day, wrap it with a wet canvas. Similar techniques are used in the production of reliefs of considerable size - with the only difference being that instead of the framework, they use large steel nails and bolts, hammered into a plank board or shallow box, which serves as the base of the relief, to strengthen the clay. Having completely finished modeling, the sculptor takes care of making an exact picture of his work out of a material that is more durable than clay, and with this goal he resorts to the help of a molder . This latter removes the so-called black form ( á creux perdu ) from alabaster from the clay original, and cast a plaster cast of the work on it. If the artist wants to have an impression not in one, but in several copies, then they are cast in the so-called pure form ( à bon creux ), the production of which is much more complicated than the previous one (see Molding ).

Creating a single more or less large piece of sculpture, whether it is stone or metal, does not do without pre-molding the clay original and casting its plaster cast. True, there have been sculptors, such as, for example, Michelangelo , who worked directly from marble ; but the imitation of their example requires an extraordinary technical experience from the artist, and yet, with such bold work, he risks falling into irreparable errors at every step.

With the production of a plaster cast, a substantial part of the sculptor’s artistic task can be considered complete: it remains only to reproduce the cast, if desired, in stone ( marble , sandstone , volcanic tuff , etc.) or in metal ( bronze , zinc , steel , etc.) .), which is already half-handled work. In the manufacture of marble and stone sculptures in general, the surface of the gypsum original is covered with a whole network of dots, which, with the help of compasses , plumb lines and rulers , are repeated on the lump to be finished. Guided by this punctuation, the assistants of the artist, under his supervision, remove unnecessary parts of the lump by means of a chisel , chisel and hammer ; in some cases, they use the so-called dotted frame , in which mutually intersecting filaments point to the parts that should be broken. Thus, the general shape of the statue gradually emerges from an unmade clump; it is getting thinner and thinner under the hands of experienced workers, until, finally, the artist himself does not give it the last finish, and polishing with pumice stone does not tell the different parts of the surface of the work a possible resemblance to what nature itself represents in this respect. To get closer to it optically, the ancient Greeks and Romans rubbed their marble statues with wax and even painted them slightly and gilded (see Polychromy ).

Bronze

The most important material for sculptures, along with marble , is bronze ; marble is most suitable for reproducing tender, ideal, mostly feminine forms; bronze - to transfer forms of courageous, energetic. Moreover, it represents a particularly convenient substance in the case when the work is colossal or represents a strong movement: when animated, such figures animated by such movement do not need supports for legs, hands and other parts that are necessary in such figures, cut out from fragile stone. Finally, for works intended to stand outdoors, especially in northern climates, bronze is preferred because not only does it not deteriorate due to atmospheric influence, but also receives a pleasant greenish or dark coating on its surface, called patina , due to its oxidation. Bronze sculpture is executed either by casting molten metal into a pre-prepared form, or hammered out of metal plates.

One of the methods of producing bronze sculptures is the hollow bronze casting method. Its secret lies in the fact that the original form under the statuette is made in wax, then a clay layer is applied and the wax is melted. And only then poured metal. Bronze casting is the cumulative name for this whole process.

As for the knockout work (the so-called repuss work), it consists of the following: a sheet of metal is taken, it is softened by heating on fire and, striking the inside of the sheet with a hammer, tells it the required bulge, first in a rough form, and then, gradual continuation of the same work, with all the details, in accordance with the existing model. This technique, for which the artist must have a special dexterity and long-term experience, is used mainly in the performance of bas-reliefs of not particularly large size; in the manufacture of large and complex works, statues, groups, and high reliefs , it is currently resorted to only when it is necessary that they have a relatively low weight. In these cases, the knockout of the work is done in parts, which are then connected with screws and fasteners into one whole. C XIX century knockout work and casting in many cases replaced by the deposition of metal in the form using electroforming .

Tree

Wood , as material for sculptures, was used in ancient times ; but wooden sculpture was especially respected in the Middle Ages and at the beginning of the Renaissance in Germany, endowing the temples with painted and gilded statues of saints, intricate altar decorations, figured jubes, chairs and seats for choirs. For such handicrafts, the lime or beechwood is mostly soft, easily cuttable, and using them the lines are smoother.

Precious Materials

Noble metals , as well as ivory , are used, due to their high cost, exclusively for small sculptures. However, during the flourishing period of ancient Greek art, ivory found its application in large, even colossal works - in the so-called hriso - elephant sculptures . Finally, with respect to hard stones, it should be noted that they have played an important role in small plastic works, such as cameos and gems , from ancient times. For such works, onyx is most often taken, allowing the artist to obtain very picturesque effects due to the different colors of the layers of this stone.

Artificial stone

At the present stage of development, artificial stone or decorative concrete has become of great importance for the manufacture of sculptures. Many sculptures of the Soviet era are made of it. The most ambitious work of concrete is the Motherland on Mamayev Kurgan . One of the features of works made of artificial stone is their durability (in the absence of acts of vandalism and proper maintenance), in addition the master has the ability to imitate expensive natural materials ( granite , marble , limestone , etc.).

Glass

Glass in sculpture can be used in many ways. Glass casting was used in Egypt. Glass blowing is also a common technique. From the newest techniques of working with glass, you can select the cutting glass.

Ancient World

The first manifestations of artistic creativity in the field of sculpture are rooted in the darkness of prehistoric times; There is no doubt, however, that they were caused, as they were called forth and subsequently by young tribes, by the need of a person who has not yet emerged from a wild state, to express with a sensual sign the idea of ​​a deity or to preserve the memory of dear people. This reason is hinted at by the poetic legend of the ancient Greeks about the invention of plastics, the legend according to which Cora , the daughter of Corinthian Vutada , wishing, when parting with her beloved, to preserve his image as a souvenir, outlined the contour of his head father filled this silhouette with clay. What were the initial experiences of sculpture in the prehistoric era - that allows us to judge the idols found by European travelers when they first visited the islands of the Pacific Ocean, for example, in the Hawaiian Islands . These are simple pillars with weak, monstrous allusions to human faces and limbs. The history of sculpture begins about thirty centuries BC. e., from the oldest of the cultural peoples of the ancient world, the Egyptians.

•  

  Chelovelev . 32 or 40 thousand years BC Ulm Museum, Ulm, Germany.

•  

  Venus of Willendorf . 25 millennium BC. er

•  

  Madeleine horse. 17 millennium BC. er Museum of National Archeology , France

•  

  Crouching hyena, 12 or 17 thousand years BC Was found in Abri de la Madeleine, France

•  

  Swimming deer, 13 thousand years BC Late Madeleine period. Found in Montastruc, Tarn-et-Garonne, France

•  

  Solar wagon , XVIII — XVII centuries. BC er., bronze, gold

•  

  Venus Loselse , about 20,000 years ago

•  

  Jomon period sculpture, Japan

Ancient Egypt

The sculpture of Egypt, throughout the continuation of its historical life, remained an inseparable companion of architecture , submitting to its principles and serving to decorate its buildings with statues of gods, kings, fantastic creatures and plastic paintings corresponding to the purpose of the building. At the beginning (in the Memphis period ), influenced by the popular perception of the afterlife, she showed a decisive inclination towards realism (portrait statues in the mastabs and funeral grottoes, the statue of Pharaoh Hafre and the Sheikh el Beled ) of the Cairo Egyptian Museum , Scrib Louvre and others .), but then froze in conditional, once established forms, which almost did not change until the fall of the Egyptian kingdom. Amazing patience and dexterity in overcoming technical difficulties in processing such solid materials as diorite , basalt and granite , characteristic reproduction of the tribal type, grandeur, achieved through colossality and giving strictly proportional figures symmetrical shapes and solemn calm - these are the distinctive qualities of Egyptian statues of Thebes and Sais periods suffering, however, the lack of expression of an individual character and real life (the enormous figures of Ramses II in Ab U-Simbel , Colossi of Memnon , etc.). Images of gods were often anthropomorphic, and masters skillfully reproduced animal figures (a pair of lions on the stairs of the Capitol in Rome ). The walls of the buildings were covered with painted reliefs with scenes of important historical, military and religious events. The method of execution of these reliefs was special: the figures in them either slightly appeared on the in-depth background (flat-convex reliefs, coylanaglyphs ), or, on the contrary, went a little deeper into the background (flat-sunken reliefs). The lack of perspective, the conventionality of composition and drawing, and other flaws do not prevent these images from being a thorough narrative about the life, beliefs and history of the people.

Mesopotamia

Excavations made in Mesopotamia , in areas where Babylon and Nineveh once reigned, introduced the learned world to Chaldean-Assyrian sculpture (1000–600 BC). And here this branch of art was in close connection with architecture, even in the strongest than the Egyptians. Her main vocation was to increase the brilliance of the royal palaces. The sculptural monuments found in the ruins of palaces in Nimrud , Horsabad and Kuyundzhik consist of wall reliefs depicting various episodes from the lives of kings, military incidents, and hunting scenes. The distinctive features of these works are a rather significant bulge of relief, the severity of the concept, an exaggerated expression of physical power in dense, muscular figures and the absence of individual character and spiritual life in them. These figures are significantly inferior to the image of animals, which Mesopotamian art reproduced with a certain understanding of nature. As regards religious sculpture, we find in the Chaldeans and Assyrians almost exclusively small bronze and terracotta statuettes of beneficent and evil demons, representing sometimes successful, sometimes monstrous combination of human forms with animal forms. Of the major works of this kind, one can only point to winged bulls and lions with a bearded human head topped with a tiara — colossal semi-statues, semi-reliefs, standing in pairs as if on guard at the entrances to the royal dwellings.

Ancient Persia

The art of Assyria passed along with its power to the Medes and through them to the Persians (560–330 BC), who inherited from it both the use of sculpture for decorating the royal palaces, as well as its form and content. Monuments of sculpture, found in the ruins of royal residences in Persepolis and Susa , are reliefs with images related mainly to the king and to court life, and in fantastic palace gatekeepers - winged animals with a human head. However, it cannot be said that the Persian plastic made a significant step forward compared to the Assyrian one: on the contrary, instead of vigorous, full of movement figures and forms, which we saw in this last one, there are lifeless and sluggish figures repeated in complex scenes with tedious monotony. , in the same guises and poses; in one only Persian sculptors show some success, namely, in understanding the importance of what the folds of draperies have for designating the forms of the human body and its movements; but their folds are dry, sharp, starched, as it were.

Ancient India

Religious views of the ancient Indians are strongly reflected in their sculpture, the oldest monuments of which date from about half of the third century BC. er This branch of art and on the banks of the Indus stood in direct connection with architecture: the mystery, mysticism, which found expression in tops, cave temples and pagodas , were even more clearly manifested in the plastic personifications of the gods and images of their symbolic feats, sculptured reliefs on the pillars at the eaves and in niches of these shrines. But the concepts of Indian deities did not arise from clear, purely human notions, but from dreamy and fantastic; therefore, the images of the gods and the history of their destinies, the deep fear of the unknown, were embodied among the Indians in a dark cycle of bizarre images, in exaggerated poses and restless movements of figures, with a strong shade of passion and sensuality (especially in female figures), in a bizarre heap of heads, hands and general members of the body, or in a strange mix of human and animal forms. In technical terms, such works testify to the considerable skill of their performers.

Ancient China

•  

  Bronze Dean (Tripod) , Late Shan Dynasty (13th century BC-10th century BC)

•  

  Warring States period , ca. 3rd century BCE

•  

  Lifesize calvalryman from the Terracotta Army , Qin dynasty , CA. 3rd century BC

•  

  Gold stag with eagle's head, Xiongnu tomb on the Mongolian frontier, 4th-3rd century BC

•  

  Tomb figure of a dancing girl, Han Dynasty (202 BC-220 AD)

•  

  Bronze cowrie container with yaks , from the Dian Kingdom (4th century BC - 109 BC)

• Wei-Maitreya.jpg

  Northern Wei dynasty Maitreya (386–534)

•  

  Tang dynasty tomb figure in sancai glaze pottery, horse and groom (618-907)

•  

  Sedentary Buddha , Tang Dynasty approximately 650 g.

•  

  Buddha statue in Leshan , Tang dynasty , construction completed in 803

•  

  Wooden Bodhisattva , Empire of the Sun (960–1279)

•  

  Chinese jade Cup with Dragon Handles, Empire Song , 12th Century

• Bodhisattva Guanyin from Nantoyōsō Collection.jpg

  Guanyin Bodhisattva in Blanc de Chine (Dehua porcelain) , by He Chaozong , Ming dynasty , early 17th century

•  

  Blue underglaze statue of a man with his pipe, Jingdezhen porcelain , Ming Wanli period (1573-1620)

•  

  Chinese lion at the Yonghegun temple, Beijing , Qing Empire , ca. 1694

•  

  Wooden Bodhisattva , Puning (temple) , Chengde , Hebei Province, built in 1755 under the Qianlong rule

Buddhist Sculpture

Ancient Greece

Religious and ethical views of the Greeks , who took the visible world as a direct manifestation of a deity and sought to express the latter through cleansing or idealization of the former, were the reason that sculpture was the most significant artistic creation of the ancient Greeks.

XIII-VII century BC. er

Evidence of the inclination of the ancient Greeks to direct imitation of nature are still in the archaic period of their history. One example of this is the relief over the Lion Gate in Mycenae .

Then, from the first centuries that followed the invasion of the Dorians into the Peloponnese , no reliable sources of information and monuments were preserved, but from the end of the 7th century BC. er There is evidence of the widespread artistic activity of the Greeks, which was mainly focused on the manufacture of luxurious altar offerings to temples , wine vessels and other household utensils. Their production was carried out in particular by the Samois and Chios masters, who had achieved great success in the technique of metal processing.

The skill of reproducing the forms of the human body also rises, especially in the personifications of gods and heroes. Before, the gods were depicted as rough wooden idols (the so-called Xoans ), with numb, sometimes barely outlined and inseparable members. Then the sculptures became more lively, and their bodies were made of wood, and their heads and arms were made of marble (such sculptures are called acrolites ). The first experiments of chryselephantin plastics also appeared. Marble and bronze are gradually becoming widespread: bronze was originally in the Ionic and Asia Minor policies , marble - in other Greek cities.

The process of creating statues, erected in honor of the winners in gymnastic competitions and was not a sculptural portrait, but idealized figures, forced the Greek sculptors to carefully study the naked human body. Everywhere, on Aegina , in Argos , Sicyon , Athens and other places, sculptural schools are emerging, and among the sculptors are Deepope and Skillides , Kallon , Onat , Agelad and some others.

VI-V century BC. er

VI century and the beginning of the V-th - Greek sculpture loses its eastern influence and begins to develop independently. The most important monuments of this epoch are the metopes of the oldest Selinunt churches in Sicily , the gable groups of the Aeginian temple of Athens , which are stored in the Munich glyptotek and depict scenes of the struggle of the Greeks with the Trojans .

The age of Pericles is the period of the greatest prosperity of Greek sculpture. Famous representatives of this period are Calamid , in various works of which grace was combined with subtle artistic flair of nature, and Myron , among whose merits was the introduction of a bold, animated movement into the sculpture.

An outstanding sculptor of the era of Pericles was the Athenian Phidias (about 500-432 BC), who mostly sculpted statues of the gods, endowed with rare nobility and grandeur. Deeply aware of the character of the main Olympians , he created their best examples, which many ancient sculptors later adhered to. This is a chryselephantine statue of Athena Pallas for the Parthenon , a bronze statue of the same goddess as the city guard standing in the Acropolis of Athens, the chrysioelefantinous Zeus of the Olympic Temple and others.

Among the pupils of Phidias, Alkamen (the copy from his work - Gera Villa Ludovisi ), Agorakrit and Paeon (the statue of Nika found in Olympia ) were best known; of the works of his school, the Parthenon’s sculptural adornments ( pediment groups and a frieze depicting a panathena procession) are particularly remarkable.

Simultaneously with this Attic school of sculptors, the Peloponnesian school flourished in Sikyon , headed by Policlet , who created the ideal type of Hera in the chryseleantha statue for the god of Argos church; He was particularly distinguished by the art of depicting young athletes and one of these images ( dorifor , that is, spearmen) established the ideal proportions of the human body (the so-called Policlet canon ).

IV c. BC er

In the IV. BC er Greek sculpture, without losing its perfection, opened on the other hand: the ideas and feelings that gave rise to many masterpieces in the age of Pericles have not disappeared, but new concepts and new tasks have been added to them; works became more passionate, imbued with drama, differed more sensual beauty. Changes also occurred with regard to materials of sculpture: ivory and gold displaced marble from use; к металлическим и другим украшениям стали прибегать более умеренно.

Одним из представителей этого направления был Скопас , глава новоаттической школы. Он старался воспроизводить пафос, выражать бурные страсти, и достигал этой цели с силой, какая до той поры не была никому доступна (ему принадлежали оригиналы Аполлона Кифареда , сидящего Ареса виллы Лудовизи и, быть может, Ниобид , умирающих вокруг своей матери, а также ему принадлежит исполнение части рельефов Галикарнасского Мавзолея ).

Другой великий мастер той же школы, Пракситель , любил, подобно Скопасу, изображать глубокие ощущения и вызванные страстью движения, хотя лучше всего удавались ему идеально-прекрасные юношеские и полудетские фигуры с оттенком едва пробудившейся или ещё скрытой страстности ( Аполлон Сауроктон , Афродита Книдская , Гермес с младенцем Дионисом на руках, найденный в Олимпии , и прочее).

В противоположность афинским мастерам-идеалистам, скульпторы пелопоннесской школы этой же эпохи в Аргосе и Сикионе работали в натуралистическом духе, создавая, в основном, сильные и красивые мужские фигуры, а также портреты известных деятелей. Между этими художниками первенствовал Лисипп , ваятель из бронзы, современник и любимец Александра Македонского , прославившийся его портретными изображениями, создавший новый канон пропорций человеческого тела своею статуей атлета- апоксиомена (то есть счищающего с себя пыль палестры ) и создавший, между прочим, типический образ Геракла .

В последнюю пору самостоятельного существования греческого народа, с эпохи Александра Великого и до покорения Греции римлянами, наметился упадок творчества скульпторов. Они не утрачивают ни познаний, ни технического мастерства, унаследованных от прежних ваятелей, даже доводят это мастерство до большей тонкости, но вносят в искусство существенно новых элементов, не открывают для него новых направлений, а только повторяют, комбинируют и видоизменяют старое, заботясь только о воспроизведении впечатления на зрителя колоссальностью размера своих произведений и живописностью сложной группировки фигур, причём произведениям часто свойственны преувеличенный пафос и театральность.

В это время происходит расцвет родосской и пергамской скульптурных школ: первой принадлежит известная группа Лаокоона (в Ватиканском музее , произведение Агесандра и его сыновей Афинодора и Полидора) и « Фарнезский бык » Неаполитанского музея (работа Аполлония и Тавриска ); второй — « Умирающий галл » Капитолийских музеев , « Закалывающийся галл » виллы Лудовизи и великолепный рельефный фриз монументального пергамского алтаря (находится в берлинском Пергамском музее ).

Древний Рим

В этой последней фазе своего развития искусство греческой скульптуры перешло к римлянам. Народу, призванному к выработке основ государственной жизни и к господству над ойкуменой , было вначале не до искусства и эстетических наслаждений; поэтому он на первых порах довольствовался тем, что получил по части художеств от этрусков , и что производили выученные ими туземные мастера. В этрусском же искусстве отразилось сперва восточное, а потом и греческое влияние; но это искусство сохранило навсегда долю своей первобытной сухости и грубости, хотя в техническом отношении и достигло значительного успеха — выработало приёмы изготовления терракотовых фигур и рельефов и литья различных предметов из бронзы; более же всего оно славилось поделками художественно-промышленного характера. После того, как пала Греция, и произведения её ваятелей целою массою свезены были в Рим , в который, к тому же, начали стекаться её художники, было вполне естественно, что эллинское совершенное искусство вытеснило из вечного города посредственное искусство Этрурии. Греческие мастера стали работать на римлян и находить среди них учеников себе и подражателей. Однако произведения, выходившие в это время как из греческих, так и из римских рук, имеют по большей части лишь второстепенное значение: это — более или менее удачные копии знаменитых созданий греческой пластики или подражания им. Как на лучшие из подобных произведений можно указать на статуи Венеры Медицейской , Венеры Капитолийской , Ватиканской Ариадны , Аполлона Бельведерского и других. Впрочем, римские скульпторы не ограничивались ролью простых подражателей: мало заботясь об идеализации, они старались передавать натуру с точностью и силой. Таков характер их исторических статуй и бюстов, наполняющих собою современные музеи (например, статуи Августа в Ватиканском, Марка Аврелия и Агриппины в Капитолийском музеях). То же стремление сказывается в изваяниях, которыми римляне украшали общественные памятники для увековечения славных событий отечественной истории, подвигов и побед, распространивших владычество Рима до далеких пределов (рельефы на триумфальных арках Тита, Септимия Севера, Марка Аврелия, на колоннах Траяна, Антонина и Константина).

Едва ли существовал какой-либо другой народ, который расходовал бы на ваяние столь много мрамора, как римляне; но результат их работы нередко выходил очень посредственный, и сами они, спеша размножать свои произведения, по-видимому, обращали внимание больше на их количество, чем на качество, которое быстро понижалось, и в эпоху Константина Великого упало очень низко.

В таком положении застало скульптуру христианство , восторжествовавшее над язычеством . Новая религия не представляла условий, благоприятных для развития этой отрасли искусства: пластические образы и формы казались первым христианам слишком материальными, слишком чувственными и притом опасными с той точки зрения, что могли вести верующих снова к языческому культу. Поэтому в первые века христианства ваяние, уступив своё главенство живописи и мозаике, играло лишь подчиненную роль, употребляясь преимущественно для декоративных целей.

Скульптура Чёрной Африки

Скульптура Мезоамерики

Средневековье

Важнейшие памятники, дошедшие до нас от этого времени — саркофаги с рельефами, символически олицетворяющими новое мировоззрение или воспроизводящими библейские сцены. Впрочем, сохранилось также и несколько древнехристианских статуй (бронзовое изваяние святого Петра в Петровском соборе в Риме, мраморные статуи святого Ипполита в Латеранском музее). По внешности все эти памятники мало отличаются от позднеязыческих; техническое исполнение их весьма слабо, но в них чувствуется веяние новых идей и искренней веры.

В тёмную пору раннего средневековья скульптура находилась в полном упадке: в Византии и вообще на Востоке оно было изгнано из употребления для крупных предприятий и производило лишь мелкие вещи, каковы диптихи из слоновой кости, кресты, оклады священных книг и икон, а на Западе, где также ему приходились удовлетворять почти исключительно потребностям религиозного культа, прозябало на почве смутных, заглохнувших античных преданий.

За романский период истории искусства можно указать на несколько любопытных явлений. Таковы в XI веке бронзовые двери Гильдесгеймского собора — произведение искусного литейщика епископа Бернвальда, в XII веке — большая купель в церкви святого Варфоломея в Люттихе , колоссальный Экстерский рельеф на каменной стене в Вестфалии и пластические украшения Буржского и Шартрского соборов во Франции ; в XIII веке — так называемые Золотые Ворота во Фрейберге , купель Бернского собора и прочие.

Первые попытки оживить искусство непосредственным наблюдением природы и изучением антиков были сделаны в Саксонии , а ещё успешнее в Италии , где Николо Пизано в середине XIII века разом поднял скульптуру на значительную высоту (кафедры Пизанского баптистерия и Сиенского собора, фонтан перед ратушей в Перуджи ). Наступившее вслед за тем господство готического архитектурного стиля открыло ваянию более обширное поприще деятельности: для декорирования затейливых фасадов, башенок, стен и всех частей храмов этого стиля требовалось сильное содействие пластики, и она наделяла их многочисленными резными украшениями, рельефами и статуями, причем исполняла их в духе самой готики — мистическом и мечтательном. Произведения этого рода являются сперва во Франции (скульптуры Реймского, Парижского, Амьенского и других соборов), а потом в Германии (скульптуры церкви Богоматери в Трире, Бамбергского, Наумбургского, Страсбургского и других соборов). Во второй из названных стран в начале XV века каменные изваяния человеческих фигур отличаются уже значительной красотою и стройностью, а их драпировка — живописностью и осмысленностью укладки, как о том можно заключить по статуям Кельнского собора. Дальнейшее движение немецкой пластики клонится к ещё более живому, индивидуализирующему направлению, предвозвещающему во многих отношениях стиль Возрождения. Адам Крафт (около 1500 г.) и литейщик Петер Фишер , оба из Нюрнберга , должны считаться представителями этого направления. Рядом с каменным и металлическим ваянием делает существенные успехи и немецкая резьба из дерева, на которую в рассматриваемый период существовал большой запрос, а именно, для алтарных и других церковных украшений. Известнейшими мастерами деревянно-резного дела были в XVI столетии нюрнбергцы Фейт Штос и Ганс Брюггеман и тиролец Михаель Пахер .

Готика

Готическая скульптура редко является самостоятельной единицей и чаще всего представляет из себя часть готического собора.

•  

  Западный портал Шартрского собора , 1145

•  

  Южный портал Шартрского собора , 1215–20

•  

  Западный портал Реймсского собора , Благовещение Пресвятой Богородицы

•  

  Никколо Пизано , Рождение Христа и Поклонение волхвов , кафедра Баптистерия в Пизе

•  

  Бамбергский всадник , 1237, конная статуя человеческого роста, the first of this kind since antiquity .

•  

  Lid of the Walters Casket , with the Siege of the Castle of Love at left, and jousting . Paris, 1330–1350

•  

  Siege of the Castle of Love on a mirror-case, Лувр , 1350–1370; the ladies are losing.

•  

  Central German Pietà , 1330–40

•  

  Claus Sluter , David and a prophet from the Well of Moses

•  

  Base of the Holy Thorn Reliquary , a Resurrection of the Dead in gold, enamel and gems

•  

  Section of a panelled altarpiece with Воскрешение Христа , English, 1450–90, Nottingham alabaster with remains of colour

•  

  Детали тайной вечери из Алтаря святой крови , 1501–05, Тильман Рименшнейдер , Ротенбург-об-дер-Таубер , Бавария

Эпоха Возрождения

Italy

В противоположность северным странам, в Италии ваяние готического периода развивалось независимо от архитектуры. Своими успехами оно было там обязано, главным образом, сыну вышеупомянутого Николо Пизано, Джованни (кафедра в церкви святого Андрея в Пистойе , надгробный памятник папе Бенедикту XI в Перудже, рельефы для кафедры Пизанского баптистерия). К направлению этого художника примкнул целый ряд других тосканских ваятелей, его непосредственных учеников или подражателей, из которых особенно знамениты: Джотто , Андреа Пизано и Орканья . Благодаря усилиям этих и других мастеров итальянское искусство сбрасывает с себя последние остатки средневековой сухости и условности и в начале XV в. выходит на новый свободный путь — путь индивидуальности творчества, одушевленной выразительности, глубокого вникания в натуру, соединенного с критическим изучением антиков. Словом, наступает эпоха Возрождения.

Тоскана остается по-прежнему главным очагом артистической деятельности, и её художники создают произведения, приводящие в восторг не только их современников, но и отдаленное потомство. Передовыми распространителями нового движения являются Якопо делла Кверчья , прозванный «della Fonte» за превосходный фонтан, воздвигнутый им в Сиене; Лука делла Роббиа , составивший себе имя в особенности рельефами из обожженной и глазурованной глины, и высоко талантливый Донателло . По их следам идет фаланга более или менее даровитых мастеров. В правление папы Льва X итальянская скульптура, как и прочие отрасли искусства, достигают кульминационного пункта своего развития в работах Джан Франческо Рустичи , Андреа Контуччи ( Сансовино ) и, наконец, гениального Микеланджело Буонарроти . Но последний, при всей громадности своего таланта, и даже вследствие её, оказал роковое влияние на дальнейший ход скульптуры: его мощный, но слишком индивидуальный и свободный стиль был не под силу его многочисленным ученикам и подражателям, из которых выдаются только Джованни да Болонья , Бенвенуто Челлини и Якопо Татти ; большинство же ваятелей, держась направления великого флорентийца, впало в капризный произвол и в погоню за одним внешним эффектом. Чем дальше, тем больше утрачивала скульптура свою прежнюю простоту и искренность, так что в XVII столетии в Италии уже господствовала в этой отрасли искусства манерность Лоренцо Бернини , Алессандро Альгарди и их несчётных последователей. Этот стиль, известный под названием барокко , держался и в XVIII столетии, в течение которого являлись иногда произведения, не лишенные величественности и свидетельствующие о богатой фантазии их исполнителей, но чаще такие, которые любопытны лишь вследствие своей вычурности.

France

Вне Италии скульптура, начиная с XVI века, отражала в себе влияние итальянской скульптуры и представляло вообще мало значительных явлений. Некоторые из них, однако, заслуживают быть упомянутыми. Таково, например, основание во Франции фонтенеблосской скульптурной школы, представители которой, Жан Гужон , Жермен Пилон и прочие, оставили по себе потомству весьма талантливые произведения. Далее, нельзя не упомянуть о Пьере Пюже , Франсуа Жирардоне , Антуане Куазево — французских скульпторах, живших и работавших в эпоху Людовика XIV ; но их работы сильно грешат театральностью, дошедшею в XVIII столетии во Франции до пустого, приторного жеманства.

Spain

Крупными скульпторами Испании эпохи Золотого века были Алонсо Кано и Педро де Мена .

Нидерланды

Между нидерландскими художниками достоин внимания Франс дю Кенуа , прозванный итальянцами иль Фьямминго , живший в Риме во времена Бернини и, несмотря на то, оставшийся свободным от итальянской манерности. Ещё наивнее и чище по взгляду на природу ученик Арт Квеллинус дю Кенуа . Третий значительный нидерландский ваятель, Адриан де Врис , ученик Джованни да Болоньи , известен как автор прекрасно задуманных и мастерски исполненных бронзовых произведений.

Германские земли

Что касается до немецкого Возрождения, то оно пользовалось ваянием почти исключительно для надгробных памятников и архитектурно-декоративных задач. Среди скульпторов Германии в XVIII веке выдаются, однако, над уровнем посредственностей даровитые мастера: Андрей Шлютер в Берлине (монумент великого курфюрста в этом городе) и Рафаэль Доннер в Австрии (фонтан на Новом Рынке в Вене).

Переход к Новому времени

Во второй половине XVIII века просыпается понимание общественной важности и достоинства искусства; оно ведёт, с одной стороны, к непосредственному, не отуманенному предвзятыми принципами подражанию природе, а с другой — к внимательному изучению того, в чём и как подобный взгляд на природу выражался в художественных созданиях цветущих времён Греции. Сильный толчок второму из этих стремлений был дан Винкельманом , который в своих сочинениях об античном искусстве красноречиво объяснял их высокое значение и проповедовал горячую любовь к ним. Однако почва, подготовленная этим учёным, начала приносить плоды лишь позже, после того, как усилился интерес вообще к греческой древности и стали являться издания её художественных памятников, а европейские музеи обогащаться либо подлинными произведениями её пластики, либо гипсовыми слепками с них.

Первые опыты обновления скульптуры через возвращение её к принципам античного искусства были сделаны в начале XIX столетия шведом И. Т. Зёргелем и итальянцем Антонио Канова . Последний в особенности прославился на этом пути, хотя его многочисленные работы, мастерские в техническом отношении, ещё не чужды предшествовавшей итальянской манерности и нередко впадают во внешнюю только эффектность или слащавую сентиментальность. На тот же путь, как и эти скульпторы, вскоре выступили многие другие, большею частью их прямые подражатели. Как на лучших между этими художниками следует указать на француза Шоде (статуя « Амур и бабочка » в Лувре , Париж ), испанца X. Альвареса (группа «Антилох обороняет Нестора», известная под названием: « Защита Сарагосы »), англичанина Джона Флаксмана и на немцев Триппеля (статуя «Вакханка» и др.), и Даннекера (знаменитая « Ариадна на пантере », у Бетмана , во Франкфурте-на-Майне). Но никто не достиг столь блестящих результатов, как датчанин Бертель Торвальдсен . Обладая неистощимою фантазией, он создал ряд разнообразных произведений, задуманных в чисто греческом духе, поражающих чисто античным благородством форм, а между тем вполне оригинальных, то возвышенных, то наивно-идиллических и грациозных.

Новое время

Во Франции пластика продолжала держаться парадного придворного направления эпохи Людовика XIV, все более и более вдаваясь в жеманство. Лучший скульптор этого времени Жан-Батист Лемуан (1704—1778; многочисленные бюсты и статуи современных знаменитостей). Его ученик Фальконе (1716—1791), даровитый автор петербургского памятника Петру Великому. В духе античного искусства старались трудиться Бушардон (1698—1762) и Пигаль (1714—1785; статуя маршала Морица Саксонского в Страсбурге). Французская школа прежде других сбросила с себя иго абсолютного классицизма и смело пошла по дороге реализма . Гудон (1741—1828) внес во французское ваяние большую простоту и жизненность; его знаменитая статуя Вольтера в Comedie Francaise (другой экземпляр — в Имп. Эрмитаже) с поразительной верностью передает наружность и саркастический характер фернейского философа. Ещё скульпторы Первой империи, Картелье, вышеупомянутый Шоде, Ф. Бозио (барельефы Вандомск. колонны, конная статуя Людовика XIV на площади Побед в Париже), Ф. Лемо (статуя Генриха IV на Нов. Мосту в Париже), Ж. Корто (фронтон палаты депутатов, апофеоза Наполеона I на триумф. ворот. Звезды в Париже) и их непосредственные ученики, корректные и элегантные, ещё холодны в своих композициях; но рядом с ними уже действуют три художника, вносящие во французское ваяние кипучую струю жизни. Это — Ф. Рюд , Дж. Прадье и Ж. Давид Анжерский. Первый из них («Меркурий, привязывающий крылья к своим ногам», «Молодой неаполитанский рыбак». «Орлеанская дева», статуи в Луврском музее, и в особенности «Волонтеры в 1792 году», группа на триумфальных воротах Звезды) приписывал крайнюю важность прямому наблюдению природы, сильно и правдиво выражал движение и чувство, и в то же время отличался удивительною тонкостью отделки. В нач. XIX в. Давид Анжерский и Прадье стремились примирить античные традиции с романтизмом. Талант Прадье был более внешний и проявлялся преимущественно в изящной обработке форм женского тела, в создании обворожительных, живых, но чувственных фигур («Легкая поэзия», «Флора», «Грации», «Вакханка и сатир» и пр.). Решительный приверженец реализма и враг всякой условности, Давид Анжерский заботился не столько о красоте линий и, в сложных композициях, о ясном расчленении групп, сколько о точной характеристике изображаемого; его работы (Тимпан парижского Пантеона, статуя Конде в Версале, множество портретных статуй, бюстов и медальонов) всегда проникнуты глубокой идеей и высокой выразительностью, производящей тем сильнейшее впечатление, что она вложена в формы, прямо взятые из действительности. Эти достоинства сделали Давида самым влиятельным из скульпторов недавно сошедшего со сцены поколения не только во Франции, но и в Бельгии. Рядом с тремя упомянутыми вождями французской скульптуры Нового времени должен быть поставлен Ф. Дюре , достойный последователь Рюда и Давида Анжерского («Неаполитанский импровизатор», «Неаполитанский танцор», статуя Рашели в рола Федры в театре Франц. комедии в Париже), образовавший, в свою очередь, талантливого ученика Э. Делапланша («Материнская любовь», «Музыка», портрет Обера). Многочисленные ученики и последователи Прадье трудились вообще в его духе, иногда заходя ещё далее, чем он, в пристрастии к чувственности, иногда умеряя её стремлением к более чистому идеалу и благородной грации и постоянно заботясь о доведении технического исполнения своих работ до высшей степени совершенства. К группе этих художников относятся: О. Курте («Фавн и центаврка», «Леда», прекрасный портрет Адриенны Лекуврер в театре Французской комедии в Париже ), А. Этекс («Каин», «Геркулес и Антей» и две группы на триумфальных воротах Звезды: «Сопротивление» и «Мир»), Ш. Симар («Орест, преследуемый фуриями»), Э. Гильом (группа «Музыка» у Новой Оперы, в Париже, многие портретные бюсты и статуи), Идрак («Раненый амур» и «Саламбо» в Люксемб. музее), Ж. Б. Клезингер («Сафо», «Ариадна с тигром», «Опьяневшая вакханка») и А. Шапю («Жанна д'Арк» в Люксембургском музее и «Юность» на памятнике Реньо, в Парижском училище изобразительных искусств). Обширная и постоянно разрастающаяся школа трудится в том реалистическом направлении, сильный толчок к которому был сделан Давидом Анжерским. Из среды представителей этой школы выдаются Д. Фойятье (монумент Жанне д'Арк в Орлеане, статуи Цинцинната и Спартака в Тюильрийском саду в Париже), Э. Милле («Аполлон», на вершине здания Большой оперы, и «Кассандра» в Люксембургском музее в Париже), А. Прео («Убийство» и «Молчание», коллоссальные бюсты на кладбище Лашеза в Париже) и А. Каррье-Белез , самый плодовитый из учеников Давида и самый близкий к нему по манере («Мадонна» в парижском центре С.-Венсень-де-Поль).

Со второй половины XIX в. преобладание получают реалистическое и натуралистическое направление: Барриас , Бартоломе, Карпо , Делапланш, Дюбуа, Фальтер, Фремье , Гардэ, Мерсье, гениальный Роден . Натурализм современной французской школы нашел себе последнее, яркое выражение в произведениях Ж.-Б. Карло, ученика Давида, Рюда и Дюре, заимствовавшего от каждого из них то, что есть в них лучшего, и соединившего их достоинства с тем, чего, быть может, им недоставало, — со своеобразным, мощным, даже необузданным талантом, родственным с талантом Микеланджело и, в то же время, Рубенса («Молодой неаполитанец-рыбак», пластические украшения павильона Флоры в Лувре, знаменитая группа «Пляска» у Большой оперы в Париже). Несмотря на раннюю смерть этого своеобразного мастера, он оставил глубокий след в искусстве и образовал толпу учеников, из которых достойны быть упомянутыми Ж. Дали и графиня Колонна, известная под псевдонимом Марчелло («Пифия» на лестнице Большой оперы в Париже).

Реализм, преобладающий во французской скульптуре того времени, не исключает, однако, существования в ней и других стремлений. Главою классической школы явился в 1839 г. Ф. Жуффруа («Девушка, поверяющая свою тайну Амуру» в Люксембургском музее), из последователей которого особенно известны Л. Барриас («Клятва Спартака» и «Моцарт, настраивающий скрипку») и Р. де Сен-Марсо («Гений, охраняющий гробовую тайну» в Люксембургском музее); но лучший из учеников Жуффруа, А. Фальгьер , выказывает явную склонность к реализму («Египетская танцовщица», «Диана» и прочие), П. Дюбуа и А. Мерсье вдохновляются скульптурными памятниками цветущей поры итальянского Возрождения, ища гармонии и красоты в спокойных позах (из работ первого особенно замечательны группы на памятник Ламорисьеру: «Воинская храбрость» и «Христианская любовь», а также «Неаполитанский певец XV стол.» и «Ева»; из произведений второго — «Давид» в Люксембургском музее, памятник Мишеле на кладбище Лашеза в Париже и группа «Quand même»). Наконец, Франция имеет право гордиться несколькими ваятелями, великолепно воспроизводящими животных. Самое видное место среди этих художников занимает Л. Л. Барри («Лев, пожирающий змею», «Отдыхающий лев» и небольшие бронзовые группы), которого можно считать истинным основателем этой пластической отрасли и первостепенным по ней мастером. Кроме него, вполне заслуженною известностью в том же роде пользуются Э. Фремье, О. Каен, Л. Навале и А. Бартольди , из которых последний, независимо от произведений по своей специальности, прославился также колоссальною статуей «Свободы», принесенной французским правительством в 1886 г. в дар Соединенным Штатам Америки.

Бельгийское ваяние составляет не более как отпрыск французского — факт, легко объясняемый тем обстоятельством, что большинство скульпторов Бельгии получало или довершало своё художественное образование в Париже. Самыми значительными из ваятелей в этой стране могут быть названы: Гийом (Виллем) Гефс (национальный памятник на площади Мучеников в Брюсселе, монумент Рубенсу в Антверпене), его брат Йозеф Гефс (монументы Леопольду I в Брюсселе, и Вильгельму II в Гааге) ^[3] , Франкин (монумент Эгмонту и Горну в Брюсселе) и Симонис (монумент Готфриду Бульонскому в Брюсселе).

В Германии, после Торвальдсена, в числе скульпторов, державшихся его идеалистического направления, особенно достоин внимание Л. Шванталер , для деятельности которого при баварском короле Людвиге I было открыто широкое поле деятельности по украшению Мюнхена (колоссальная статуи Баварии, скульптурные фризы во дворцах короля и герцога Максимилиана, рельефы и статуи, украшающие глиптотеку, и прочее). Этому художнику обязаны своим образованием многие ученики, между прочим, М. Видиман (монумент Шиллеру в Мюнхене и другие), Л. Шаллер (монумент Гердеру в Веймаре, рельефы в Мюнхенской пинакотеке на сюжеты из жизни Я. ван Эйка, А. Дюрера и Гольбейна, аллегорические статуи четырёх звезд и т. д.), Ф. Бругген (статуи Глюка, курфюрста Максимилиана Эммануила и Гертнера в Мюнхене, группы: «Хирон учит Ахилла», «Меркурий и Калипсо» и пр.), К. Цумбуш (монум. Максимилиану II в Мюнхене, лучший из всех украшающих этот город; монумент Марии-Терезии в Вене и прочие) и М. Вагмюллер («Девушка с бабочкой», «Девушка с ящерицей», превосходные портретные бюсты). Влияние Шванталера, занесенное в Вену Гассером и Фернкорном (конные статуи эрцгерцога Карла и принца Евгения), до сей поры отражается в произведениях местных скульпторов, из которых заслужпивают быть упомянутыми К. Кундеман, автор памятника Фр. Шуберту, и В. Тильгнер, составивший себе лестную репутацию портретными статуями и бюстами. Иного рода движение приняло ваяние в Берлине, где в началие XIX столетия И. К. Шадов , не пренебрегая антиками, поставил себе главною задачей воспроизведение современности и реального мира (колесница и метопы на Бранденбургских воротах, памятники Цитену и принцу Леопольду Дессаускому в Берлине, Блюхеру в Ростоке, Лютеру в Виттенберге и прочие). Его стремления получили полное развитие в продолжительной и влиятельной деятельности X. Рауха (монументы Фридриху Великому в Берлине, А. Дюреру в Нюрнберге, Канту в Кенигсберге, известные фигуры «Викторий», надгробные памятники королеве Луизе и Фридриху-Вильгельму III в Шарлоттенбургском мавзолее). Основанная этим художником берлинская школа произвела многих более или менее искусных мастеров, каковы: Φ. Драке (барельефы на памятнике Фридриху-Вильгельму III в берлинском Зоологическом саду, конная статуя императора Вильгельма на железнодорожной станции в Кельне и прочие), Шифельбейн («Разрушение Помпеи», большой фриз в новом Берлинском музее, барельефы на мосту в Диршау), Блезер (конная статуя Вильгельма IV на Рейнском мосту в Кельне), А. Кис, превосходно воспроизводивший животных и с успехом трудившийся также по части исторической скульптуры (статуи архангела Михаила и Святого Георгия, поражающего дракона; конные статуи Фридриха-Вильгельма III в Кенигсберге и Бреслау), Т. Калиде, А. Вольф и другие. Из среды берлинских скульпторов Нового времени особенно выдаются сильный и пылкий Р. Бегас (берлинский монумент Шиллеру, бюст Менделя в Национальной галерее; «Пан утешает Психею», «Семейство Фавна», «Венера и Амур» и другие группы, полные жизни и движения) и Р. Зимеринг (мраморная статуя короля Вильгельма в Берлинской бирже; группы «Нимфа учит юного Бахуса пляске» и «Фавн дает пить мальчику Бахусу»; «Победный памятник» в Лейпциге). В Дрездене одновременно трудились два первоклассных ваятеля: Э. Ритшель , ученик Рауха, следовавший по его реалистическому направлению (главные работы: величественный памятник Лютеру в Вормсе, монумент Шиллеру и Гете в Веймаре, статуя Лессинга в Брауншвейге) и Э. Гэнель, последователь идеалистической школы (лучшие произведения — декоративные статуи фасада Дрезденской картинной галереи, памятник князю Шварценбергу в Вене, статуя Бетховена в Бонне ). Между прочими дрезденскими скульпторами более других достойны внимания: И. Шиллинг , ученик и последователь Гэнеля (группы «Ночь» и «День» на Брюлевской террасе, памятники Ритшелю в Дрездене и Шиллеру в Вене) и А. Донндорф, наследник живой и благородной манеры Ритшеля, его сотрудник по вормскому памятнику Лютера, автор конной статуи Карла Августа в Веймаре и монументов: Шуману в Бонне и Корнелиусу в Дюссельдорфе.

В Англии скульптура, особенно монументальная, не нашла для себя благоприятной почвы; она в этой стране в сильной степени отражает итальянское влияние. Даровитейший из английских скульпторов, Джон Гибсон , ученик Кановы, трудился в Риме и должен быть причислен к местной классической школе (мраморные группы «Психея, мучимая Амуром», «Гилас и нимфы» в Лондонской Национальной галерее, «Королева Виктория на троне, между фигурами Милосердия и Справедливости» в здании парламента, надгробный памятник герцогине Лейчестерской в Лонгфорде и другие). Манерою Кановы отзываются труды многих других английских художников, трактовавших сюжеты античного мифа в грациозных, ласкающих взор формах, каковы, например, П. Мак-Дауль («Виргиний и его дочь», «Моющаяся мечта»), Р. Вэстмакот (статуи Эддисона, Питта, Фокса и Персиваля в Вестминстерском аббатстве, лордов Эрскина на Линкольс-Инне и Нельсона в ливерпульской бирже, фигуры на фронтоне Британского музея) и Р.-Дж. Уатт («Флора», «Пенелопа», «Музидора» и другие).

В Италии стремления пластики вообще не подвергались значительному уклонению от идеалов Кановы. Следовавшие за ним даровитые художники П. Тенерани (надгробные памятники герцога и герцогини Торлониа в С.-Джованни-ин-Латерано, Пия VIII в Петровском соборе в Риме, «Психея» и «Лежащая Венера с Амуром» в Императорск. Эрмитаже) и Л. Бартолини (статуя Наполеона I, в Бастии на Корсике, и Макиавелли в музее Уффици во Флоренции), трудились в благородно-классическом духе этого мастера. Ученик Бартолини, Дж. Дюпре, сделал некоторый поворот в сторону натурализма («Богоматерь, оплакивающая усопшего Спасителя» на кладбище в Сиене, памятник Кавуру в Турине, «Каин» и «Авель» в Имп. Эрмитаже). Дж. Бастиани пытался возродить стиль итальянской пластики XV века («Группа вакханок», «Четыре времени года», прекрасные портретные бюсты). Затем многочисленные ваятели Италии обратили своё внимание, главным образом, на техническую обработку мрамора, в которой и достигли высокого совершенства, производя с особой любовью сюжеты, заимствованные из современной действительности. Самым значительным из художников этого направления был В. Вела (группа «Франция и Италия» и «Умирающий Наполеон» в Версальском музее в Париже, статуи Виктора-Эммануила в Туринской ратуше, «Корреджио» в его родном городе, философа Росмани и «Весна»). Кроме туземных художников, в число представителей итальянского ваяния надо включить многих иностранцев, подобно вышеупомянутому англичанину Гибсону, живших и работавших в Риме; таковы, между прочим, голландец М. Кессель («Св. Севастан», «Парис», «Дискобол», сцены из Страшного суда), баварец М. Вагнер (фриз в Валгалле близ Регенсбурга; «Минерва», покровительница художественной деятельности на фронтоне Мюнхенской глиптотеки), бременец К. Штейнгейзер («Геро и Леандр», «Гете с Психеей» в Веймарском музее, «Скрипач» и прочие) и пруссак Э. Вольф («Нереида» и «Амазонка» в Императорском Эрмитаже, «Венера», «Юдифь» и прочие).

Новейшее время

Модернизм

Скульптура модернизма включает в себя такие направления, как кубизм , геометрическая абстракция , Де Стейл , супрематизм , конструктивизм , дадаизм , сюрреализм , футуризм , формализм , абстрактный экспрессионизм , поп-арт , минимализм , ленд-арт , а также инсталляцию .

В начале 20 века Пабло Пикассо произвел революцию в искусстве скульптуры, начав создавать его конструкции , где в одной скульптуре объединялись несовместимые объекты и материалы, как бы создавая скульптурный аналог двухмерного коллажа. С приходом сюрреализма появились такие новые виды "автоматической" скульптуры, как коулаж, которая создавалась при помощи выливания расплавленного материала (например: металл , воск или шоколад ) в холодную воду, в результате чего после застывания материала форма скульптуры получалась непредсказуемой. Поздние года творчества Пикассо ознаменовались его увлечением гончарным мастерством, что, в совокупности с растущим интересом к истории гончарного мастерства по всему миру, привело к возрождению искусства керамики с такими скульпторами как Джордж Эдгар Ор и впоследствии Пётр Воулкос, Кеннет Прайс и Роберт Арнерсон. В то же время Марсель Дюшан придумал термин Реди-мейд (от англ. readymade ), представив общественности скульптуру "Фонтан" .

Схожим образом, работы Константина Бранкузи в начале столетия открыли путь дальнейшим экспериментам в абстрактной скульптуре. В восстании против натурализма Родена и его современников в конце 19-го века Бранкузи дистиллировал предметы вплоть до своих сущностей, что иллюстрируется утонченными формами его серии « Птица в пространстве » (1924).

Влияние Бранкузи с его стремлением к избавлению от всего лишнего и абстракции наблюдается в течение 1930-х и 1940-х годов и иллюстрируется такими художниками, как Гастон Лашез , сэр Джейкоб Эпштейн , Генри Мур , Альберто Джакометти , Джоан Миро , Хулио Гонсалес , Пабло Серрано , Жак Липшиц , а в 1940-х годах абстрактная скульптура была затронута и расширена Александром Кальдером, Лен Лай, Жаном Тингели и Фредериком Кислером, которые стали пионерами кинетического искусства.

Модернистские скульпторы в значительной степени упустили рост заинтересованности в публичном искусстве, вызванный спросом на военные мемориалы после двух мировых войн, но с 1950-х годов общественные органы стали более лояльны к модернистской скульптуре, а крупные заказы как и в абстрактном, так и в фигуративном стилях стали более распространены. Пикассо было поручено сделать макет для огромной 50-футовой (15 м) - публичной скульптуры, так называемого Чикаго Пикассо (1967). Его дизайн был неоднозначным и несколько противоречивым, и то, что представляет собой эта фигура, непонятно; это может быть птица, лошадь, женщина или совершенно абстрактная форма.

В конце 1950-х и 1960-х годов абстрактные скульпторы начали экспериментировать с широким спектром новых материалов и разными подходами к созданию своей работы. Сюрреалистические образы, антропоморфная абстракция, новые материалы и комбинации новых источников энергии и разнообразных поверхностей и предметов стали характерными для новой модернистской скульптуры. Совместные проекты с ландшафтными дизайнерами, архитекторами и ландшафтными архитекторами расширили возможную территорию и контекстуальную интеграцию. Художники, такие как Исаму Ногучи , Дэвид Смит , Александр Колдер, Жан Тингели, Ричард Липполд, Джордж Рики, Луиза Буржуа и Луиза Невельсон , стали формировать облик современной скульптуры.

К 1960-м годам преобладал абстрактный экспрессионизм , геометрическая абстракция и минимализм , который сводит скульптуру к ее наиболее существенным и фундаментальным особенностям. Некоторые работы того периода: кубические работы Дэвида Смита и сварные стальные работы сэра Энтони Каро , а также сварная скульптура большого разнообразия скульпторов, крупномасштабная работа Джона Чемберлена и работы в жанре энвайронмент Марка ди Суверо . Среди других минималистов - Тони Смит , Дональд Джадд , Роберт Моррис , Энн Труитт , Джакомо Беневелли , Арнальдо Помодоро , Ричард Серра , Дэн Флавин , Карл Андре и Джон Сафер , которые добавили движение и монументальность и чистоту линии.

В 1960-х и 1970-х годах фигуративная скульптура в стилизованных формах была представлена такими художниками-модернистами, как Леонард Баскин, Эрнест Трова, Джордж Сигал , Марисол Эскобар , Пол Тек, Роберт Грэм и Фернандо Ботеро , превращающий фигуры со своих картин в монументальные скульптуры.

•  

  Амадео Модильяни , Женская голова , 1911–12, Tate

•  

  Константин Бранкузи , Портрет Мадемуазель Погани , 1912, белый мрамор, Художественный музей Филадельфии . Выставлено на арсенальной выставке в 1913 г.

•  

  Ото Гутфрёйнд , Виолончелист , 1912–13

•  

  Джейкоб Эпстайн , День и ночь , carved for the London Underground 's headquarters, 1928.

•  

  Кете Кольвиц , Скорбящие родители , 1932, Мемориал Первой Мировой войны (для её сына Питера), Немецкое военное кладбище Власло

•  

  Жак Липшиц , Рождение муз , 1944–1950

•  

  Барбара Хепуорт , Monolith-Empyrean , 1953

•  

  Джон Чемберлен , S , 1959, Музей Хиршхорна , Вашингтон

•  

  Генри Мур , Three Piece Reclining figure No.1 , 1961, Йоркшир

•  

  Марсель Дюшан , "Фонтан" , 1917; 1964 artist-authorized replica made by the artist's dealer, Arturo Schwarz , based on a photograph by Alfred Stieglitz . Porcelain, Tate Modern , London

•  

  Пабло Пикассо , Chicago Picasso , 1967, Чикаго

•  

  Исаму Ногути , Heimar , 1968, at the Billy Rose Sculpture Garden, Музей Израиля , Иерусалим , Израиль

•  

  Джордж Рики , Four Squares in Geviert, 1969, терраса Новой национальной галереи, Берлин . Рики является представителем кинетического искусства.

•  

  Кинетическая скульптура: Crinkly avec disque rouge, Александр Колдер , Штутгарт , 1973

•  

  Луиза Берлявски-Невельсон , Atmosphere and Environment XII , 1970–1973, Художественный музей Филадельфии

•  

  Энтони Каро , Black Cover Flat , 1974, steel, Тель-Авивский музей изобразительных искусств

•  

  Жоан Миро , Женщина и птица , 1982, Барселона

•  

  Луиза Буржуа , Maman , 1999, около Музея Гуггенхейма в Бильбао

Современные течения

Движения энвайромент и сайт-специфик представленными такими скульпторами, как: Энди Голдзуорти , Уолтер Де Мария , Ричард Лонг , Ричард Серра , Роберт Ирвин, Джордж Рики и Кристо и Жан-Клод задали новое направление в абстрактной скульптуре.

Минимализм

•  

  Тони Смит , Free Ride, 1962, 6'8 x 6'8 x 6'8 (высота типового дверного проема), Нью-Йоркский музей современного искусства , Нью Йорк

•  

  Ларри Белл, Без названия, 1964, висмут, хром, золото и родий на золоченой латуни; Музей Хиршхорн и сад скульптур

•  

  Дональд Джадд , Без названия, 1977, Мюнстер , Германия

•  

  Ричард Серра , Fulcrum 1987, 17-ти метровая скульптура, сделанная из стали кортеновской , около вокзала Ливерпуль-стрит , Лондон

•  

  Дональд Джадд , Без названия, 1991, арт-сад Израильского музея , Иерусалим

Постминимализм

•  

  Ричард Лонг, South Bank Circle, 1991, художественная галерея Тейт Ливерпуль, Англия

•  

  Жан-Ив Лешевалье , Крыло, закованное в кандалы, 1991

•  

  Аниш Капур , Turning the World Upside Down , Израильский музей , 2010

•  

  Rachel Whiterid , Holocaust Monument 2000, Judenplatz Square, Vienna

•  

  Guardians of Time , light sculpture by Manfred Kleinhofer for the Austrian Biennale of Light Art 2010

•  

  Dublin Needle , officially named Monument of Light , stainless steel, 121.2 meters (400 feet ), the tallest sculpture in the world

Sculpture in Russia

Russian Empire

In the pre-Petrine period, art in Russia had as its vocation to serve exclusively religious purposes, and since the Orthodox Church abhorred the statues of human figures, sculpture, in the true sense of the word, could not only develop, but also exist in ancient Russia. True, in some places, especially in the former Novgorod regions, carved and painted images of saints were respected, but they were alien to any artistic value and were articles made under the influence of the West. Actually, in Russia, manifestations of plastics were limited to casting small crosses, folding images, knocking salaries on the image and carving of figure iconostases. Among the fruits of the Western European civilization, Peter the Great transferred to him a sculpture, which, however, with this sovereign and long after it was here in the hands of visiting foreigners. The main figure on the part of the sculpture in the reign of Peter the Great and Anna Ioannovna was K. B. Rastrelli, the father of a famous later architect, who was called to Petersburg for casting cannons. A bronze statue of Empress Anna, and a monument to Peter the Great, standing in front of the Engineer Castle in St. Petersburg testify to his style.

Actually, Russian sculpture was started only under Catherine II, after the Academy was founded, where N. F. Gilles, invited in 1757 from Paris, was the first professor of this art. He formed several pupils, among whom F. I. Shubin was the most talented (his main work was the statue of Catherine at the Academy of Arts). The Charter of the Academy provided the best of her pupils, at the end of her course, to go, with maintenance from the government, for several years to foreign lands, for further improvement, and for the first time used this right from young sculptors Shubin. They begin a long, continuing to our time, a number of Russian sculptors who lived and worked abroad, mainly in Italy. Here, of course, they were influenced by the masters popular at that time and assimilated the then dominant artistic direction. Therefore, the sculpture in Russia, showing very little independence until recently, reflected in itself the movements that were made in this branch of art in the West: at the end of the 18th century, it bore the imprint of French, and then Italian — more or less noticeable features of the Canova and Thorvaldsen styles. , Dupre, Tenegnanny and others. For all that, there were many artists among her representatives who would honor any country. In the Catherine Age, in addition to Shubin, who kept naturalism in his writings, ennobled by respect for antiques, the eclectic Rutherist FG Gordeyev (Samson's group for the Peterhof fountain of this name) and the talented, somewhat mannered M.I. Kozlovsky (Suvorov monument to Tsaritsyn meadow in St. Petersburg, the statue of "Cupid, taking out the arrow from the quiver" in the Hermitage, and others). During the time of Alexander I and partly Nikolaev, the outstanding representatives of Russian sculpture were: V.I. Demut-Malinovsky (statue of the Apostle Andrew in the Kazan Cathedral in St. Petersburg, "Russian Scotola" in the Academy of Arts, portrait busts and others), S.S. Pimenov (two groups at the entrance of the Mining Institute in St. Petersburg), I. P. Prokofiev (statue of the running Acteon, tritons of the Peterhof fountain), I. P. Martos (monuments to Minin and Prince Pozharsky in Moscow, Duke of Richelieu in Odessa, Lomonosov in Arkhangelsk , colossal statue of Catherine II in Moscow th Nobility and others) and some others.

The Russian sculpture received a special revival in the second half of the reign of Emperor Nicholas I thanks to this sovereign's love for art and patronage, which he provided to domestic artists, as well as such a huge enterprise as the construction and decoration of St. Isaac’s Cathedral in St. Petersburg and the Cathedral of Christ the Savior in Moscow. All Russian sculptors of both the oldest and the younger generation then received significant government orders and, being encouraged by the monarch’s attention to their work, they tried to surpass one another in them. The main figures in this area were at that time: Count F. P. Tolstoy (medallions on themes from the Patriotic War of 1812–1814, the statue “Nymph pouring water from a jug” in Peterhof, models for figures of various saints, for the doors of the temple Savior), S.I. Galberg (statue of Catherine II seated at the Academy of Arts, statue “The invention of music” at the Hermitage), B.I. Orlovsky (“Angel” on the Alexander Column, monuments to Kutuzov and Barclay de Tolly in front of the Kazan Cathedral, statues "Paris", "Satyr, playing the violin", "Faun and Bacchae" in the Hermitage), I. P. Vit Ali (two gables of St. Isaac's Cathedral: "Adoration of the Magi" and "St. Isaac blesses the Emperor Theodosius", reliefs under the porticos of this temple, sculptures of its entrance doors and others; a statue of Venus in the Hermitage), Baron P.Klodt ("Horse Tamers" , four groups on Anichkovsky Bridge, a monument to the fabulist Krylov, in the Summer Garden; the figure of Emperor Nicholas I on horseback, in the St. Petersburg monument to this sovereign; small sculptures of horses), N. S. Pimenov (the Resurrection and The Transfiguration groups at the top icons of small side chapels Isaacs Evsky Cathedral; statues of “Playing Grandmas” and “The Boy Begging for Alms”), P. Stavaser (statues of “Mermaid” and “Nymph Shod by Faun” in the Hermitage), K. Klimchenko (“Nymph After Bathing” in the Hermitage), A.A. Ivanov (“The Boy of Lomonosov” and “Paris” at the Hermitage), S.I. Ivanov (“The Little Bather”), A.V. Loganovsky (“The Game of Dowel”; reliefs under the porticos of St. Isaac’s Cathedral “The Beating of Babies” and “ The angel appears to the shepherds; high reliefs on the outer walls of the temple of the Savior) and N. I. Ramazanov (high reliefs from the outer walls of the same temple).

However, it should be noted that, due to the very kind of instructions entrusted to these gifted artists, they were, in most cases, related in their work and could not give a full scope of fantasy and the desire for realism and nationality that had already awakened in their midst. This space opened with the advent of the great reforms of Alexander II - the era in which the descriptive art of Russia, following its literature, became the spokesmen for self-consciousness that had awakened in Russian society, became involuntarily responsive to his doubts, desires and hopes. It could not do without hesitation and false evasions; nevertheless, in its general movement, the newest Russian sculpture, having made a big step forward, won the sympathy of not only the upper classes, but also the masses of his native society and forced foreigners to recognize the existence of a distinctive Russian school. Among the artists who contributed to this to a greater or lesser extent, as well as supporting the dignity of Russian sculpture of the second half of the XIX century, the following could be called: M. M. Antokolsky (statues "Ivan the Terrible", "Christ before the People", "Death of Socrates", "Mephistopheles" in the Hermitage; a statue of Peter the Great in Peterhof), N. R. Bach (“Pythia” statue), R. R. Bach (“Ondine” statue; high-reliefs “Elf” and “Idyll”), A. R. von Bock ( the Minerva group on the dome of the Academy of Arts, the monuments to Count Paskevich in Warsaw and M. Glinka in Smolensk, the statue Psyche and the group Ven era and Amur ”), P. A. Velionsky (statue“ Gladiator ”, bas-relief“ Venus represents Cupid to the Olympians ”), P. P. Zabello (statue of Pushkin in the Imperial Alexander Lyceum,“ Tatiana, heroine of the Pushkin novel ”by E. And V. Empress Maria Feodorovna and “Mermaid” for the fountain in Kazan), G. R. Zaleman (statue “Orest, pursued by furies”, group “Kimvry”, bas-relief “Styx”), F. F. Kamensky (statue “Boy -sculptor "and" Girl-mushroombox "and the group" First Step "in the Hermitage), V.P. Kreitan (portrait busts), N. A. Laveretsky (group" Early Coquetry " in the Hermitage and "Boy and Girl with a Bird"; statue “Rhodope”), E. E. Lancere (small groups and statuettes of battle and domestic content with excellent figures of horses), N. I. Liberiha (statues and small groups depicting military and hunting subjects), L. L. Ober ( works of the same kind), A. M. Opekushin (a monument to Pushkin in Moscow), I. I. Podozerov (statues “Cupid with a Butterfly” and “Eva”; portrait busts), M. P. Popova (statue “Neapolitan fisherman, playing the mandolin ”,“ The yoke girl ”,“ Phryne ”), A.V. Snigirevsky (the statue“ Curiosity ”, the group“ In the storm ”; small groups of genre about the character), M. A. Chizhov (group “Peasant in Need”, “Playing in the Silent Duffer”, “Mother Teaching a Child to the Native Word”; “First Love”; the statue “Rezvushka”) and, finally, I. N. Schroeder (monuments to Prince P. Oldenburgsky and Krusenstern in St. Petersburg; Peter the Great in Petrozavodsk).

Soviet era

The sculpture of the Soviet era covers the largest part of the XX century. The Soviet period changed the status of national sculpture, opening up enormous opportunities for it - first of all, in terms of implementation through an unprecedented state order. The collection of sculptures of the Soviet era is the most numerous of all the previous epochs in Russia. This is especially true of the second half of the 20th century, since the second half of the 20th century greatly exceeds the number of sculptures in the first. Soviet times gave rise to a huge number of sculptors. Some of the Soviet sculptors, such as Vera Mukhina and Dmitry Tsaplin , combined works of different levels and acceptable authorities, while not losing their quality and value, retaining their individuality and implementing their own creative ideas and ambitions, someone did not succeed. Growing from the historical experience of Russian plastics, associated primarily with the Moscow tradition, as well as absorbing the experience and innovation of European sculpture, Soviet sculpture already in the first decades showed works of artistic merit exclusively in the works of N. Andreeva , S. T. Konenkov , A.T. Matveev , I.M. Chaykov , B.D. Korolev , V.N. Domogatsky , etc. Their classical school basically determined the subsequent fate of the whole Russian sculpture of the 20th century ^{[4] [5] [6 ]} .

Vanguard

The flourishing of Russian art at the turn of the XIX-XX centuries was followed by the explosive Soviet avant-garde ( cubism and constructivism ), which shook the whole world. A striking example of avant-garde sculpture are the architects of KS Malevich - suprematic architectural models. The artist defined these structures as architectural formulas for new forms. The plastic language of Malevich anticipated many decisions to create a convenient spatial environment for a person.

• Sculptures by Kazimir Malevich
•  
•  
•  
•  

However, with the departure of the most prominent masters of Russian avant-garde sculpture from the USSR in the early 1920s, such as Naum Gabo and Antoine Pevzner , in Soviet Russia there were no other representatives of this direction left in sculpture - in sculpture. Since the 1930s, the era of the Soviet sculptural avant-garde begins to dramatically change to a predominantly monumental sculpture, full of heroic and idealistic images, fulfilling the authorities' request for social realism. The Soviet government chose sculpture as one of the leading art forms, publishing a plan of monumental propaganda. The plan suggested that the sculpture should be exclusively monumental (in the form of monuments), and this was one of the reasons and gave impetus to the consolidation of creative forces among some masters in the 1930s to take up the theme of animalism, which did not cause such irritation in power as others Topics. The first center of animalistic sculpture arises in Moscow among such Soviet masters as I. S. Efimov , A. S. Golubkina and V. A. Vatagin . In the second half of the twentieth century, their successors adjoin them - A. G. Sotnikov , A. V. Martz , A. S. Tsvetkov and others ^{[6] [7]} . In the middle of 1950. At exhibitions, interesting works of sculptors of territories and regions of the autonomous republics appear, including portraits of old Ural masters by the sculptor V.Ye. Egorov, children's images by G.V. Petrova, a sculpture in the tree by M.V. Zaskalko and others.

The period of the late 1950s - early 1960s, which went down in history as the “ Khrushchev Thaw ”, gave a powerful impetus to the development of Soviet sculpture. It was a turning point, the release of official stamps of Soviet propaganda. One of the main professional foundations of the new movement in sculpture was the plastic school of the sculptor A. T. Matveyev , who was removed from teaching in 1948 for the inconsistency in his pedagogical methods of “educating the artists of society building socialism”. Nevertheless, the experience of A.T. Matveev was adopted by the young generation of sculptors of the 1950s – 1960s, who rewrote his previous lectures by hand, passing them on to one another as professional lessons. At the same time, completely new sculptors, the so-called Sixties sculptors, whose work did not want power, begin to appear and declare themselves, either still falling under criticism of the Soviet press or under prohibitions. Among them are the sculptors Ernst Neizvestny , Vadim Sidur , Leonid Sokov and others. Their art was art from another world, which fit well into modern European art at that time, responding to the demands of capitalist society. But almost each of the sixties sculptors was professionally, or even vitally, connected with the “great old men” - the sculptors of the older generation, recognized by the Soviet authorities ^{[8] [9] [6]} .

In the same 1960s, thanks to the Soviet sculptor-muralist E. V. Vuchetich , the highest sculpture in the history of Russia and Europe appeared - the monument-ensemble “To the Heroes of the Battle of Stalingrad” in Volgograd “The Motherland Calls!” . The opening of the monument took place in 1967. The height of the statue, standing on a sixteen meter foundation, is 52 meters. The length of her sword is 33 meters. The weight of the sword is fourteen tons. The total height of the sculpture is 85 meters. The monument “The Motherland Calls!” Is part of a sculptural triptych, which also includes monuments to the “Rear Front” in Magnitogorsk and the “Warrior-Liberator” in Berlin's Treptow Park . The Magnitogorsk sculptural composition depicts a worker who hands a sword forged to a soldier, and a German monument depicts a winning soldier with a rescued child in his arms and a lowered sword. Magnitogorsk monument created by sculptor Lev Golovnitsky and architect Jacob Belopolsky . All project participants were awarded honorary awards. Evgeny Vuchetich also received the title of Hero of Socialist Labor and the Gold Star award ^{[10] [11]} .

The 1970s were a time of further renewal of Soviet sculpture. The new generation of masters who are distinguished by the fundamental professional school, skill, metaphor, artistry and ecstasy of the creation process, such as A. N. Burganov , A. I. Rukavishnikov , V. B. Soskiev , etc., enter Soviet sculpture. The subject of the sculptural image It becomes not only people and animals, but also the interior, landscape, still life. Due to the fact that color is actively introduced into the plastic, the sculpture begins to acquire different colors. One of the characteristic features of the development of the sculpture of this period is the interpenetration and mutual enrichment of easel and monumental forms, the interrelation of various types of plastics. The laconism and generalization of the 1960s are gradually shifted out in a more free, diverse, and individual plastic language of the 1970s. At the same time, an intensive formation of local Russian schools takes place. One of the strongest formed around the Penza Art College named. KA Savitsky . An interesting artistic development was also received by the national sculpture of Buryatia and Chukotka . It is worth noting the no less significant original phenomenon of those years - the work of Ossetian sculptors, which organically combined the professional foundations of the Moscow school with the traditions of the ancient Ossetian culture, its mythology and rich nature ^[6] .

In the 1980s, national schools of sculpture were actively formed and developed in the republics of the USSR, which especially manifested themselves in the Baltic republics ( Estonia , Latvia , Lithuania ), as well as in Armenia and Turkmenistan . In the late 1980s and early 1990s, they were joined by sculptors from Belarus and Moldova . It is necessary to note the special importance for the development of the sculpture of the 1980s symposia held in the Houses of Creativity of the Union of Artists . An invaluable role in the formation of the national sculpture of the USSR was played by the House of Creativity. D.N. Kardovsky in Dzintari ( Latvia ). Close communication of sculptors from different republics of the USSR gave rise to strong mutual influences and at the same time prompted each master to state something individual about himself and his world of national culture. This time was the most active flourishing of Soviet ceramics. Much more affordable material than metal, clay begins to receive in the hands of Soviet sculptors almost limitless plastic and decorative features. Soviet pottery of the 1980s acquires emancipation, organicity, courage, brightness and polyphony of compositions. Decorative ceramic fantasies of such Soviet artists as I. I. Agayan , A. G. Pologova , L. P. Azarov , S. I. Aseryants are just a few worthy examples from the vast diversity of Soviet ceramic sculpture of the 1980s ^[6] .

In parallel with the official art of the USSR, alternative art began to develop in the 1950s, Moscow Conceptualism becoming one of the trends.

The development of the Soviet multinational sculpture was stopped with the collapse of the USSR. All the diversity of the Soviet sculptural heritage is often hidden in museums, rarely exhibiting their exhibits. In addition, much of the original and non-documentary appeared in private collections, which also makes it impossible to realize and fully understand the significance of the sculpture of the Soviet period ^{[4] [5] [6]} .

End of XX - beginning of XXI century.

• Shigirsky idol - the oldest wooden sculpture in the world (VIII millennium BC. E.)
• Walking Man I (sculpture by Alberto Giacometti , one of the most expensive works of art sold at auction)
• Photo sculpture
• 3D model
• Gypsum
• Paraffin
• Wax

• Энциклопедия скульптуры
• История развития скульптуры
• Самые дорогие скульптуры в мире
• Скульптуры Мейсен в 18 веке .
• Сомов А. И. Ваяние // Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона : в 86 т. (82 т. и 4 доп.). - SPb. , 1890-1907.
• Sculptores // Реальный словарь классических древностей / авт.-сост. F. Lubker ; Edited by members of the Society of Classical Philology and Pedagogy F. Gelbke , L. Georgievsky , F. Zelinsky , V. Kansky , M. Kutorgi and P. Nikitin . - SPb. , 1885.