Giotto di Bondone

Early years

Giotto was born in 1266 or 1267 in the town of Vespignano, now Vicchio , located east of Florence in the family of the blacksmith Bondone.

Previously, there were other assumptions about the date of birth of Giotto until 1275 . For example, Vasari claimed that Giotto was born in 1276 . The father of the future artist was named Bondone (d. 1311/1313 ) and was a peasant. Giotto later acquired land and houses in Vespignano.

According to another version, Giotto was born in Florence , in the parish of the church of Santa Maria Novella , in the quarter of St. Pankratia. Repeatedly in Florentine documents, the artist is referred to as "del popolo di Santa Maria Novella". His father, according to this version, was a blacksmith. The name Giotto may be an acronym for Angiolotto or Ambrogotto, but it is also possible that this is the artist’s independent name ^[3] .

According to Vasari , Giotto was a student of Cimabue , this point of view is questioned by modern researchers. The story that Cimabue saw the young shepherd Giotto drawing a sheep and admired his talent is now considered a literary legend ^[4] .

According to Vasari, Cimabue and Giotto worked together on fresco paintings in the church of San Francesco, in Assisi , and the second surpassed the first.

In one of the documents of 1301 , Giotto was named the owner of a house in Florence . In 1301 , Giotto was already married to Ciuta di Lapo del Pela. They had eight children, one of the sons also became an artist ^[5] .

The artist died on January 8, 1337 in Florence ^[6] while working on the Last Judgment fresco in the Bargello Chapel.

Frescoes of the Church of San Francesco in Assisi

The painting of the upper church of San Francesco in Assisi was started around 1288. Two scenes in the upper tier of the church, dedicated to the history of Isaac and Jacob , have long been attributed to the works of an unknown master, . These scenes are fundamentally distinguished by their artistic merits from other frescoes of San Francesco. Compositional construction, liveliness of characters, delicate modeling using chiaroscuro - all this allowed us to talk about the emergence of a fundamentally new direction in the painting of that time. The Masters of Isaac were assigned to the circle of Cavallini or identified with Arnolfo di Cambio . Researchers later drew attention to the similarity of Jacob and John with the Crucifixion from the Church of Santa Maria Novella in Florence and concluded that both works were completed at about the same time (about 1290 ), and their author is Giotto. According to Vasari , it was Giotto who commissioned the head of the Order of the Franciscans Giovanni Murovale to create scenes from the life of St. Francis in the upper church in Assisi. A cycle of twenty-eight episodes was created in a fairly short time - two years, which involves the work of not one artist, but a whole workshop. Nevertheless, it is distinguished by the integrity of the design, even fine pictorial language and a general illusionist decision.

The frescoes in the lower church of San Francesco on the theme of the youth and crucifixion of Christ were made by Giotto's workshop much later, in 1315 - 1320 . Frescoes on the middle cross of the lower church ( 1308 - 1328 ) were first attributed to Giotto Vasari . They are dedicated to glorifying the virtues of St. Francis, the restorer of gospel standards. Allegorical murals depict obedience, prudence and humility. The crown of the cycle is the Glorification of St. Francis (Gloriosus Franciscus), where the saint enters the Kingdom of Heaven. Researchers note the unusual, very light color of the frescoes, which is achieved by the finest gradation of yellow, pink and green colors.

Capella del Arena. Padua

A spatial perspective similar to that of the frescoes of the upper church of San Francesco will appear in the mural cycle in the chapel del Arena in Padua . Between 1303 and 1305 , this main work of Giotto was created. Sometimes Giotto is also called the architect of the chapel (this issue is disputed by many researchers), but it is undoubted that he owns the frescoes of the chapel - the Ferrara chronicler Riccobaldo in 1312–1313 calls them “the creation of Giotto”, along with the murals of the Franciscan churches in Assisi, Rimini and Padua. Under his leadership, the central nave was painted; the murals on the walls of the apse belong to the Giotto school, it is believed that they were completed after 1317 . The artist’s work in the chapel, commissioned by the citizen of Padua Enrico Scrovegni, marks a decisive turn in the development of European painting - the emergence of a sense of space in which a person moves. The cycle consists of 36 frescoes depicting the youth of Christ and the Passion . Their placement on the walls is strictly thought out taking into account the layout of the chapel and its natural lighting. Giotto and in this work attracted students and assistants, but without prejudice to the integrity of the overall plan. With a special brilliance, Giotto's compositional skill was manifested here. By shifting the perspective point of view, the artist achieves with this optical shift the desired direction of the viewer's gaze. He submits the construction of the picture to artistic logic, but without striking eye-catching effect.

According to sources, after 1306 in the Padua city hall - Palace of the Mind ( Italian: Palazzo della Ragione ) - Giotto depicted, following the instructions of the astronomer Pietro d'Abano , the fresco "Heavenly Sign".

1300-1310 years

According to some sources, Giotto was in Rome in the holy 1300 . Perhaps, it was then that he created, by order of Cardinal Jacopo Stefaneschi, the monumental mosaic of Navichell , glorifying the artist throughout Italy. She was in the atrium of the old church ( IV century ) of St. Peter . Recently, this work refers to Giotto in 1310 . Chronicler Filippo Villani ( English Filippo Villani ) gives a mosaic as evidence of the skill of Giotto, who was so able to portray characters that it seemed as if they were breathing, talking, crying or rejoicing. Leon Battista Alberti wrote about this mosaic in his treatise on painting De pictura (1436). The plot of the composition - A Miracle on the Genicareta Lake - is one of the episodes of the public ministry of Christ. Jesus saves the ship of the apostles , caught in a storm, and the drowning Peter . Symbolically, this is interpreted as the salvation of the Church itself from all misfortunes. The mosaic was destroyed during the demolition of the old building, only its copy of the Baroque era (according to Norbert Wolf, unsuccessful) in the portico of the new church is preserved. Its true form can only be judged by the drawings of artists of the XIV - XV centuries and the surviving original frame with the heads of two angels.

Florence. Santa Croce

In 1312 - 1315 , Giotto was mentioned in notarial records and court acts in connection with his crediting activities. One of Giotto’s contracts for renting a loom to a certain Bartolo Rinucci (at an annual rate of 120%; though the usual rate was 50%) is notarized by a notary public, Lapo di Gianni, a friend of Dante .

Perhaps in 1315 - 1318 , the artist visited the papal court in Avignon , since at that time there was no mention of his name in Florentine documents. Vasari reports that Giotto returned from Avignon in 1316 . Researchers believe that the artist was influenced by refined Avignon painting. Since 1320 , Giotto is a member of the Corporation of Physicians and Pharmacists of Florence ( Arte dei Medici e degli Speziali ), which also included artists.

Art historians attribute the murals to the Peruzzi chapel in the Basilica of Santa Croce , made using the secco technique, to Giotto's hand. They were probably created around 1320 , since the motifs of the painting are repeated in the reliefs of the bronze door of the Baptistery ( 1330 ) by Andrea Pisano . The chapel is dedicated to John the Baptist and John the Theologian .

A distinctive feature of the paintings is the placement of compositions in paintings of an unusually wide format, which reinforced the impression of monumentality and allowed the artist to show the free movement of the characters against the backdrop of complex architectural complexes. Made in unstable technique, paintings that were seriously affected by the flood and survived several unsuccessful restoration attempts, mostly lost their upper paint layer.

The murals of the Bardi Chapel are painted in conjunction with Secco painting. Their creation dates back to 1325 - 1328 years. The theme of the cycle of seven scenes is the legend of St. Francis . The size of the chapel made it possible to create monumental compositions conceived as a whole. Stylistically, the frescoes are somewhat different from the paintings of the chapel of Peruzzi , Assisi and Padua , this can be explained by the fact that the paintings were made by different members of Giotto's workshop.

Naples

According to Vasari, while still in Florence , Giotto on the wall of the Palazzo della Signoria created a portrait of the son of King of Naples, Roberto of Anjou. Karl of Calabria , mayor of Florence from 1326 to 1327 , was portrayed kneeling before the Madonna. In 1328 - 1333 , Giotto was at the court of the Neapolitan King Roberto of Anjou . It is possible that Bardi, the king's bankers, recommended the artist to him. Giotto worked on the murals in the church of Castel Nuovo, the chapel of Santa Barbara, the personal chapel of the king. A series of frescoes “Nine Heroes” (not preserved) in one of the rooms of Castel Nuovo is mentioned in Francesco Petrarch's sonnets. On January 20, 1330 , King Roberto awarded Giotto the title of court painter.

Recent years

In the spring of 1334 , Giotto was appointed chief architect of Florence with an annual fee of 100 gold. The certificate of appointment highlighted the knowledge and scholarship of the artist (scientia et doctrina). His responsibilities included supervising the construction of a new city wall, repairing bridges after the flood, and erecting the cathedral bell tower of Santa Maria del Fiore - Campanilas . He designed the campaign and, together with Andrea Pisano, the reliefs of its lower floor. According to Lorenzo Ghiberti , Giotto and his workshop were commissioned in 1336 to fresco the end walls of the chapel of St. Magdalene in the Palazzo del Podesta ( Bargello ). The artist was later sent by the Florentine government to Milan to work on the murals of Atzone Visconti . Giotto died on January 8, 1337 , shortly after his return from Milan . Buried in the Cathedral of Santa Maria del Fiore . Giotto’s two sons, Francesco and Donato, known by archival documents as “parente di Giotto” (that is, “Giotto’s relatives”), were artists participating in his father’s workshop. However, due to the modest talent, they did not gain much fame.

Along with fresco cycles, Giotto created a number of easel works. These are painted crosses, individual altar paintings and polyptychs, which he painted himself or together with assistants from his workshop. Some of these works are signed by Giotto, the authorship of others is established thanks to preserved historical evidence and stylistic analysis. The dating of most of them is approximate, in some cases it has a wide range (for example, seven small scenes from the life of Christ, belonging to one altar, stored in several museums, various experts date from 1306–1312 to 1320–1325).

Easel paintings in the XIII-XIV centuries were painted on wooden boards (in Italy, as a rule, it was poplar ). A canvas was glued onto the board with glue made from animal skin, a primer in the form of gypsum diluted with the same animal glue was applied to the canvas, and gilding was applied over the gypsum. Then, using tempera paint, pre-scratched contours of the figures were applied. This technology for the production of icons was common in Byzantium, it was followed by Italian masters, including Giotto.

Researchers include the large painted cross, the Madonna and Child and two angels from the church of San Giorgio alla Costa ( Florence ), the altar image Stigmatization of St. Francis ( Louvre , Paris) and Polyptych from the Florentine church of Badia to the early period in the master’s work.

The Painted Cross, about six meters high, was created for the Florentine church of Santa Maria Novella between 1290 and 1300 and soon became a role model (in 1301, Deodato Orlandi already copied it in the Crucifixion for the church of San Miniato Al Tedesco ). The heavily hanging body of Christ is endowed with such an earthly nature in it that some even perceived it as unworthy of Giotto, the remarkable author of frescoes of the Scrovegni Chapel . Giotto di Bondone wrote this Crucifix in accordance with the established canon - at the end of the right and left beams of the cross depicting the mourners Mary and John the Theologian. Stylistically, they are close to the images of Esau and Jacob in the story of Isaac, written by Giotto in the Upper Church of San Francesco in Assisi . The work does not have the signature of the author, but it is known that the “Crucifixion” from the church of Santa Maria Novella is referred to as the work of Giotto by the Italian art historian of the 15th century Lorenzo Ghiberti , and that in 1312 the presence of a certain Giotto Crucifixion was attested in this church. Researchers also see the close proximity of the figures of Mary and John to the two pectoral depictions of angels on the remains of Giotto's most famous work - the mosaic of Navichell on the facade of St. Peter's Basilica in Rome , which was subsequently completely redone during the reconstruction of the basilica conceived by Pope Julius II .

"Madonna and Child with Two Angels" from c. San Giorgio alla Costa came to us in a cropped form. The right and left edges were particularly affected. From what remains, you can mentally reconstruct that Madonna sits on the throne of light marble with a pinkish frame and mosaic curbs in the “cosmati” style, which end with carved Gothic decoration in the form of animal heads - this is how she was usually depicted at that time. The work is inherent in the same bright light and carefully painted details, as in the early frescoes of Giotto. It shows the desire to convey a convincing weight and human significance of the central image, which will subsequently become especially evident in his Madonna Onisanti from the Uffizi Gallery .

•  

  Stigmatization of St. Francis 1295-1300gg. Louvre Museum, Paris.

•  

  Dream Innocent III.

•  

  Approval of the charter of the Franciscan Order.

•  

  Sermon to the birds.

“Stigmatization of St. Francis” is a large altar icon 3.14 × 1.62 m in size. The work was created around 1300 for the church of San Francesco in Pisa . The signature “OPUS IOCTI FIORENTINI” has been preserved on the bottom of the original frame. However, despite the signature, for a long time the authorship of Giotto was disputed by many researchers. On the right and on the left there are images of coats of arms, which some researchers interpret as belonging to the Ugi family, others as belonging to the Cinquini family. It is likely that one of them was the customer of this altar image. Giotto depicted one of the most important moments in the life of St. Francis - the acquisition of stigmata from Christ during prayer on Mount Alverno. The artist painted Jesus in the form of a seraph. The painting has a predella, which depicts three scenes from the life of St. Francis: “Dream of Innocent III”, “Approval of the Statute of the Franciscan Order” and “Sermon to the Birds”. In fact, all the plots of the altar image are variations on the theme of the same scenes written in the Assisi fresco cycle. Usually they emphasize their iconographic similarity, less often their stylistic proximity, which is just as obvious. The Italian art critic Luciano Bellosi notes the fragile Gothic elegance of the predella, expressed, in particular, in the refinement of the figures, and believes that this feature has become an object of imitation for some Florentine masters, for example, for the Master of St. Cecilia. However, another part of the experts believes that the predella with scenes from the life of St. Francis was not written by Giotto himself, but by some of his assistants.

At about the same time (around 1300), the Polyptych (91 × 340 cm) dates back, which Giotto wrote for the Florentine church of Badia. The work is signed by the artist. Giotto portrayed here the Madonna and Child, St. Nicholas, St. John the Evangelist , St. Peter and St. Benedict . All researchers note the stylistic proximity of this polyptych to the Crucifix, written by the artist in Tempio Malatestiano in Rimini , which was created a little later, in the 1310s. Despite the rather poor preservation, the deep seriousness and significance with which Giotto endowed the saints are clearly visible. The majestic rhythm with which the solemn anticipation of waist-length figures of saints is repeated in five parts of the polyptych, the measured running of ribbons with their names on a gold background near their heads suggests that this is one of the artist’s best works. The rounded figure of the Madonna is very similar to that located in the tondo above the front door of the Upper Church in Assisi. This polyptych was mentioned in his work by Lorenzo Ghiberti . It was discovered in the convent of Santa Croce, Florence, and is now kept in the Uffizi Gallery .

Probably, even before arriving in Padua , where he painted the famous Scrovegni Chapel, Giotto visited Rimini. The heyday of the Roman school of the XIV century, undoubtedly, is associated with the trip of Giotto to this city. Direct evidence of Joto's stay there is the “Crucifixion” from Tempio Malatestiano (church of San Francesco in Rimini), which came to us with cut edges - there are no figures of Mary and John the Theologian on the right and left rays of the cross; The top of the cross with the blessing of God the Father is found in a private collection in England. Однако в остальном этот крест сохранился лучше, чем большое Распятие из церкви Санта-Мария-Новелла , его считают более благородной версией большого флорентийского креста, близкой к зрелым вариантам этого сюжета, созданным Джотто позднее. Тем не менее, исследователи отмечают, что пластика тела и физиогномические особенности Христа лежат ближе к более архаическим работам мастера, таким как полиптих из Бадии и картина «Стигматизация Св. Франциска» из Лувра .

Средний период в творчестве мастера стал пиком его художественного развития. В это время он создал фрески в капелле Скровеньи в Падуе . Эти росписи считаются концентрированным выражением сути всего творчества Джотто. К этому же периоду принадлежат и лучшие станковые произведения, в которых со всей полнотой выразилось стремление мастера к реалистическому отображению. В его более поздних работах видно усиливающееся влияние готики.

«Мадонна Оньисанти» является самой известной алтарной картиной Джотто. Этот большой алтарный образ, размером 3,25×2,04 м, художник написал для Умилиатского братства церкви Оньисанти во Флоренции . Стилистическая близость к падуанским фрескам позволяет отнести его создание к первому десятилетию XIV века. По своему иконографическому типу это «Маэста», то есть такая разновидность изображения Мадонны с младенцем, когда фигуры священных протагонистов обращены к верующему фронтально, при этом младенец изображён благословляющим. Аналогичные произведения были созданы Чимабуэ («Мадонна» из церкви Санта-Тринита ) и Дуччо («Мадонна Ручеллаи»). Однако, за одно или два десятилетия, отделяющие произведения этих мастеров от «Мадонны Оньисанти», изменилось многое. Иератические и возвышенные образы иного мира, воплощённые в Мадоннах эпохи дученто, уступили место человечной матери семейства со светлым и открытым лицом и даже с чуть заметной улыбкой в складке губ, позволяющей увидеть белизну зубов, в то время как Мадонны дученто всегда были отчуждены и печальны. Земная природа Марии заявляет о себе весомостью её тела, ещё более очевидной из-за контраста с хрупкими архитектурными деталями трона. Приземлённое упрощение образа по сравнению с великими художниками XIII века не означает его обеднения. Ткани широкого шерстяного плаща и прозрачной туники Мадонны в картине Джотто ещё более рафинированны и драгоценны. Равным образом и в изображении трона, ставшего роскошным, но вместе с тем более правдивым и убедительным, видно хроматическое богатство. Группы ангелов и святых здесь наполняют реально существующее пространство и похожи на торжественных и любезных персонажей королевского двора.

Хранящееся в Художественной галерее Берлина «Успение Марии» (75×178см) обнаруживает тесную связь с «Мадонной Оньисанти», поскольку происходит из той же церкви. Если бы её остроконечная форма не была изначальной, можно было бы подумать, что это пределла картины из Уффици. Близость между ними необычайно тесна: ангел, стоящий позади двух персонажей со свечами в руках в правой части картины, рисунком своего профиля почти идентичен коленопреклонённому ангелу в правой части «Мадонны Оньисанти».

Композиционное построение слегка асимметрично из-за того, что кортеж ангелов и патриархов справа расположен по восходящей линии, поднимающейся к плечам Христа, а группа апостолов слева, напротив, по линии нисходящей, которая заканчивается фигурой молодого апостола (Иоанн?), склонившегося, прижимая руки к груди. Джотто изобразил саркофаг простой формы, который украшен орнаментом в стиле «космати», расположив его слегка асимметрично, как будто он виден слева. Сцена изображает момент, когда умершую Марию опускают в гробницу. Ангелы поддерживают край плащаницы, а апостол, поддерживающий её тело, склонился над саркофагом. Над всем возвышается Христос, который принимает в свои руки, как дитя в пеленах, душу Марии. Композиция выдержана в торжественном и суровом тоне, но в то же время смягчённом и нежном, напоминающем падуанские фрески мастера.

«Расписной крест», выполненный Джотто для Капеллы-дель-Арена, ныне хранящийся в городском музее Падуи, обнаруживает сильную близость к композиции Распятия в Нижней церкви Сан Франческо в Ассизи. Художник повторил здесь старую иконографическую схему, слегка модифицировав изображение тела Христа. Особенностью этого креста являются и более характерные для XIV века резные детали окончания его лучей. Произведение датируют приблизительно 1310—1317 годами.

К 1310—1315 годам исследователи относят создание Алтаря Перуцци. По всей вероятности, он был создан для той же капеллы, которую Джотто расписал несколькими годами позднее. Из этого следует, что заказчиком алтаря было всё то же семейство флорентийских банкиров Перуцци. Алтарь состоит из пяти панелей, каждая размером 62,3×43 см, за исключением центральной части с изображением Благословляющего Христа (66,7×49 см). Слева направо на полиптихе изображены Иоанн Богослов , Богоматерь , Христос , Иоанн Креститель и Св. Франциск . Художник исполнил это алтарь совместно с ассистентами из своей мастерской.

Приблизительно в 1315 году из мастерской Джотто вышел ещё один расписной крест (ныне Лувр, Париж). Часть исследователей (включая Лючано Беллози) считает этот крест произведением самого Джотто, основываясь на близости его стиля к фрескам Джотто в правом трансепте Нижней церкви в Ассизи; другая часть специалистов полагает, что он создан кем-то из его учеников или ассистентов. Оригинальной особенностью этого креста является изображение пеликана, кормящего своей кровью птенцов, в верхней части креста, то есть там, где обычно располагается либо благословляющий Христос, либо Бог-отец. Пеликан был в Средневековье символом жертвенности, поскольку считалось, что ради своих голодных птенцов он способен расклевать себе грудь, чтобы накормить их собственной кровью. Во всём остальном крест соответствует сложившимся канонам — на правом и левом окончаниях изображены скорбящие Иоанн Богослов и Богоматерь.

«Полиптих Стефанески» был создан для главного алтаря базилики Святого Петра в Риме. Заказчиком произведения является Якопо Каэтани дельи Стефанески — римский кардинал, который в первой половине XIV века был ведущим меценатом папского двора. В Риме при папе Бонифации VIII, а затем в Авиньоне, куда переехала папская курия, Стефанески делал заказы на создание самых значительных произведений искусства того времени. Джотто он дал заказ на изготовление прославленной мозаики Навичелла и главного алтаря базилики Св. Петра. Этот алтарь упоминается в сохранившемся завещании кардинала Стефанески как произведение Джотто. Он представляет собой большой двусторонний триптих с пределлой, его размеры 2,20×2,45 м. Алтарь хранится в Ватиканской пинакотеке и дошёл до наших дней почти полностью — не сохранились только две панели пределлы.

•  

  Триптих Стефанески. Около 1330 г. Лицевая сторона. Пинакотека, Ватикан.

•  

  Триптих Стефанески. Около 1330 г. Оборотная сторона. Пинакотека, Ватикан.

•  

  Деталь:Кардинал Стефанески.

Одна сторона алтаря была обращена к верующим, другая — к священнослужителям. На внешней стороне Джотто изобразил восседающего на троне Христа (центральная панель) и казнь Св. Петра и Св. Павла (боковые панели). В изображениях господствует дух священного таинства и торжественного предстояния, пронизывающий центральные композиции, достаточно редкие в творческом наследии Джотто. Исследователи считают, что в данной работе художник проникся вкусами заказчика и оказался способным воплотить их в своём произведении. На центральном панно лицевой стороны Христос восседает на троне строго фронтально, как восточный идол, подняв в благословении правую руку и держа книгу Откровения левой. Вокруг трона, как в Маэста эпохи дученто, изображено множество ангелов, расположение которых, однако, тонко согласовано с новыми принципами и содержит намёк на размещение по кругу. На переднем плане изображён коленопреклонённый кардинал Стефанески. Пределла с Мадонной на троне в сопровождении двух ангелов и двенадцати апостолов в полный рост представляет собой таинственное и отчуждённое изображение, вызывающее в памяти вереницы святых на византийских мозаиках.

На оборотной стороне триптиха на двух боковых панелях в полный рост изображены четыре величественные фигуры апостолов. На центральной панели Святой Пётр восседает на троне в той же самой позе, что и Христос на лицевой стороне (так образом передана идея Петра как наместника Христа). Петра окружают два архангела, двое святых — Георгий и Сильвестр, на коленях перед ним стоят папа Целестин V (канонизирован в 1313 году) и вновь кардинал Стефанески — на сей раз он преподносит в качестве дара тот самый триптих, на котором он изображён.

Это произведение необычно по качественному уровню, а некоторые сюжеты необычны и по замыслу. Например, эпизод в сцене Обезглавливания Апостола Павла: на пригорке изображена Плаутилла во весь рост, которая протягивает вверх руки, пытаясь поймать наполненный воздухом платок, брошенный святым, который скользит по золотому фону картины. Произведению присуща великолепная цветовая гамма, готическое изящество, тонкость одних фигур и выразительность других — качества, сближающие его с фресками Нижней церкви в Ассизи.

•  

  Мадонна с младенцем. 1320—1325 гг. Национальная галерея искусства, Вашингтон.

•  

  Св. Стефан. 1320—1325 гг. Музей Хорн, Флоренция.

•  

  Иоанн Богослов. 1320—1325 гг. Музей Жакмар-Андрэ, Шаали.

•  

  Св. Лаврентий.1320—1325 гг. Музей Жакмар-Андрэ, Шаали.

Ещё один полиптих Джотто сохранился в неполном виде. Речь идёт о нескольких панелях из разных музеев, которые имеют одинаковую форму и размеры. В первую очередь, это доска с изображением «Мадонны с младенцем» из Национальной галереи искусства , Вашингтон, которая, по всей вероятности, была центральной частью полиптиха. Мадонна на ней выглядит монолитом, высеченным из куска мрамора. Интересен и жест младенца Христа, ухватившегося ручонкой за её палец. Частями этого полиптиха, по всей вероятности, являются и три другие панели — «Святой Стефан» (Музей Хорн, Флоренция), «Иоанн Евангелист» и «Святой Лаврентий» (обе работы в Музее Жакмар-Андрэ, Шаали). Все три панели имеют одинаковые размеры. Исследователи предполагают, что полиптих состоял из пяти или более частей. Его происхождение до сих пор остаётся неясным; исследователи предполагают, что ранее он мог находиться в капеллах Пульчи — Берарди или Перуцци флорентийской церкви Санта-Кроче .

•  

  Поклонение волхвов ( Метрополитен-музей ) и Принесение во храм ( Музей Гарднер , Бостон)

•  

  Тайная вечеря и Распятие ( Старая пинакотека , Мюнхен)

•  

  Успение (Колл. Бернсона, Сеттиньяно) и Сошествие во ад (Старая пинакотека, Мюнхен)

•  

  Пятидесятница ( Лондонская Национальная галерея ) ^[7]

Другое разрозненное и, возможно, неполное произведение Джотто — серия из семи небольших сцен, посвящённых жизни Христа. Они хранятся в разных музеях, но имеют примерно одинаковые размеры (в среднем 45×44 см). Это «Рождество и Поклонение волхвов» ( Музей Метрополитен , Нью-Йорк), «Принесение во храм» (Бостон, Музей Гарднер), «Тайная вечеря», «Распятие» и «Сошествие во ад» (все в Старой Пинакотеке, Мюнхен ), «Успение» (Сеттиньяно, собрание Бернсон) и «Праздник чёток» (Национальная галерея, Лондон). Исследования в рентгеновских лучах подтвердили, что все сцены раньше были написаны на одной длинной доске (не менее трёх метров), которая вряд ли была пределлой какой-либо алтарной картины. Скорее всего, она была самостоятельным алтарным образом, который, судя по тому, что в сцене Распятия у ног Христа изображён францисканец, ранее находилась во францисканском храме. Возможно, это была церковь Сан Франческо в Борго Сан Сеполькро, так как Джорджо Вазари упоминает работу с маленькими людскими фигурами, исполненную Джотто в этом храме. Тщательный стилистический анализ обнаружил в этих сценах несколько разных манер, поэтому исследователи пришли к выводу, что в работе над ними участвовали несколько ассистентов. Центральной сценой этого произведения, вероятно, было Распятие, остальные располагались справа и слева от него предположительно в том порядке, в каком они приведены здесь.

•  

  Расписной крест. 1330-е гг. Церковь Сан Феличе, Флоренция.

•  

  Распятие. 1330-е гг. Государственные музеи, Берлин.

•  

  Распятие. 1330-е гг. Муниципальный музей, Страсбург.

К более позднему периоду относят ещё один расписной Крест из церкви Сан Феличе во Флоренции , который Джотто исполнил вместе с учениками. К этому времени относят и две сцены Распятия (Городской музей, Страсбург и Государственные музеи, Берлин ). Исследователи видят новации этих двух Распятий в том, что толпа, изображённая у подножья, передана так, как если бы рама картины перерезала по краям скопление людей, на самом деле гораздо более многочисленное. Несомненно, что все эти работы принадлежат «кругу Джотто», однако точно утверждать, что это произведения самого Джотто, нельзя.

В свой поздний период Джотто ди Бондоне, будучи назначенным capomastro — руководителем работ по строительству флорентийского собора, вынужден был делить свои творческие усилия между строительными работами во Флоренции и престижными заказами, поступавшими из других городов Италии. Между 1329 и 1333 годами он работал в Неаполе для короля Роберта Анжуйского, около 1335 года — в Милане , для правителя Аццоне Висконти. От этого времени остались два крупных станковых произведения — «Болонский полиптих» (Пинакотека, Болонья ) и «Полиптих Барончелли» ( церковь Санта-Кроче , Флоренция).

Болонский полиптих был написан около 1330 года для церкви Санта Мария дельи Анджели и располагался в главном алтаре этой церкви до XVIII века. Болонья во времена Джотто была неординарным городом с университетом и развитой торговлей, французским присутствием и легатом Бертраном де Пюже, который мечтал превратить Болонью в новый Авиньон, то есть в новую папскую столицу. Возможно, именно французским влиянием объясняется усиление готических тенденций, которые можно видеть в Болонском полиптихе. На центральной панели изображена Мадонна с младенцем, сидящая на троне необычно основательном и прочном, но более чем в какой-либо иной картине Джотто, несущем на своей архитектуре отпечаток духа готики. Она держится с почти светской приветливостью и изяществом, присущими знатной даме. Красивейшие украшения, блестящие краски, переливающиеся подобно драгоценным камням, вносят свой вклад в великолепие, отличающее этот полиптих. На боковых панелях художник изобразил двух архангелов — Гавриила и Михаила, и двух апостолов — Петра и Павла. На полиптихе есть подпись Джотто.

«Коронование Марии» из капеллы Барончелли , над декорированием которой Джотто работал не ранее конца 1320-х годов, представляет собой один из последних великих замыслов мастера. На центральной панели изображен Христос, коронующий Богоматерь, у подножья их трона преклонили колена четыре ангела. На боковых панелях расположился ангельский оркестр, сопровождающий музыкой это событие, и вереницы святых. Однообразные, но яркие шеренги улыбающихся святых напоминают упорядоченный Рай — переданный в перспективе, но без границ, поскольку боковые панели могут продолжаться в бесконечность. Вместе с тем, центральная сцена с элегантными и отточенными в своих формах главными действующими лицами содержит в себе нечто от светского изящества придворной церемонии. Одним словом, в произведении очевиден реверанс, сделанный в сторону готической живописи. На этом полиптихе тоже есть подпись автора.

•  

  Полиптих Барончелли. Около 1334 г. Церковь Санта-Кроче, Флоренция.

•  

  Полиптих Барончелли. (левая часть) Около 1334 г. Церковь Санта-Кроче, Флоренция.

•  

  Полиптих Барончелли.(центральная часть) Около 1334 г. Церковь Санта-Кроче, Флоренция.

•  

  Полиптих Барончелли. (правая часть) Около 1334 г. Церковь Санта-Кроче, Флоренция.

•  

  Полиптих Барончелли, деталь, Около 1334 г. Церковь Санта-Кроче, Флоренция.

•  

  Полиптих Барончелли, деталь, Около 1334 г. Церковь Санта-Кроче, Флоренция.

• Церковь Сан-Франческо в Ассизи
• Капелла Скровеньи в Падуе
• Церковь Флорентийского аббатства ( итал. Badia Fiorentina ) во Флоренции
• Церковь Святого Креста во Флоренции

Характерные для ранних работ Джотто яркий свет и тщательная проработка деталей тесно связаны между собой. В самом деле, хотя на полотне или на фреске перед нами присутствует иллюзия реальности, её изображение, однако и в реальности чем ярче освещение, тем лучше видны детали. Появление чувства пространства, композиционное мастерство Джотто, искусное смещение оптической перспективы, чтобы направить взгляд зрителя, необычно светлые тона фресок, умение достигать живописных эффектов не за счёт количества цветов, а за счёт градации их оттенков — все эти черты проявились в творчестве Джотто достаточно рано и стали характерными приметами его неповторимого стиля.

Features of the frescoes made by Giotto’s workshop, according to Brockhaus's dictionary: “Restraint and dignity in the interpretation of plots, plastic modeling of volumes, clarity of spatial constructions, expressive gestures and poses, bright festive color and internal artistic unity make these murals unique in the history of monumental and decorative painting” .

Giotto expressed materiality and spatial extent in his works, using a number of techniques already known in his time - angular angles, a simplified antique perspective. If we consider the plot space of the works of that time in a certain sense as a religious theater, then Giotto told the stage space the illusion of depth, clarity and clarity of the structure of the three-dimensional world. At the same time, he developed methods for modeling forms by gradually brightening the basic, saturated colorful tone, which allowed to give the forms an almost sculptural volume and at the same time preserve the radiant purity of color, its decorative functions. It is interesting that in this balance between the novelty of space and the beauty of color, picturesqueness has not lost its precious properties acquired over the long period of development of religious fine art. This was reflected in the Italian tradition, always preserving a sense of beauty and line, and color.

One of the sources of Giotto's style is probably the sophistication of painting inherent in the masters at the papal court in Avignon. However, not all works attributed to Giotto have evidence of his authorship. Researchers have to rely on stylistic similarities, and only their united opinion can solve these issues. For example, the subtlest gradations of three colors: yellow, pink and green, special sophistication and even some kind of refinement of the folds of clothes, both in their pattern and in color transitions - all this for a careful and sophisticated look can serve as proof of Giotto's authorship. Giotto himself influenced the formation of the leading schools of Italian painting of the fourteenth century, primarily the Florentine school, as well as the craftsmen who worked in Siena and Padua. The subsequent masters of the Italian Renaissance from Masaccio to Michelangelo repeatedly appealed to his legacy.

It is believed that in his work Giotto managed to overcome the icon painting style common to Italy and Byzantium. Giotto turned the flat, two-dimensional space of the icon into three-dimensional, creating the illusion of depth using chiaroscuro. This primarily refers to the bold volume of architecture in the works of Giotto. Next can be called modeling the volume of clothing. It was these images that first of all impressed the viewer and caused controversy, recognition and accusations of destroying the single stylistic space of the work.

The steps toward realism were indeed controversial, and this contradiction continued to haunt the painting, and many centuries after Giotto, still causing controversy about what realism really is in painting. In fact, it is the two-dimensionality of space in a flat image that corresponds to reality, which can easily be verified by drawing a palm over the image. Three-dimensionality on a canvas or a fresco is an illusion, and from this point of view, a two-dimensional image is much more realistic. Therefore, now they are trying to avoid the very name "realism", calling it more precisely the "sense of space." Of course, Giotto was not the first painter to use this technique. In itself, this technique was well known before Giotto. But Giotto became the first talented master who widely used the image of three-dimensional space in his works. Not in each of his works, three-dimensionality can be traced sequentially, and almost nowhere is it present in all parts and details. Nevertheless, he worked out this technique better than his predecessors, and most importantly: the very use of the illusion of three-dimensionality in the two-dimensional space of the canvas turned out to be in tune with the spirit of the times. Giotto's interest in complex spatial and optical effects has changed the history of painting more than any of the paintings acquired by his contemporaries.

The transition to a three-dimensional image by the time of the work of Giotto has already matured, because such attempts were made more and more often. Fine art could develop only by finding a new image quality, because the purely pictorial and plot reserves of development were objectively exhausted by this time. For many centuries of icon painting, artists have used all possible religious subjects and explored all the pictorial possibilities of primary colors. Meanwhile, the creative spirit inherent in man demanded to go further. Therefore, the appearance of Giotto was not a coincidence, but a regularity. Sooner or later, someone would still have made such attempts boldly, talentedly and decisively: probably not quite the way Giotto did, but in much the same spirit. A new era in painting by the time of Giotto’s life was already ripe for its appearance.

Assessing the work of Giotto, it is necessary to take into account the imperfection of the technical side of painting in the days of Giotto, compared with the modern one. We are talking about the quality of wood and canvas, the quality and methods of priming plaster and paintings, the variety and quality of paints and their mixtures, brushes and other means necessary for the painter. Of course, if Giotto or other masters of the early epochs had at their disposal the means more perfect than those they had, in a whole series of relations their works would have become different. Therefore, when evaluating the talent of a master of painting of past eras, one should never forget what baggage of improvised means they dealt with. Only then will it become clear how their talent was able to overcome technical circumstances.

Vasari about Giotto

We should, I think, be indebted to Giotto, a Florentine painter, precisely to what artists-painters owe to nature, which constantly serves as an example for those who, extracting the good from its best and most beautiful sides, always strive to reproduce it and imitate it, for since the techniques of good painting and everything adjacent to it have been buried for so many years under the ruins of the war, he alone, although he was born among the inept artists, by the grace of God raised her from the right path and gave her such a shape that her already but it was a good call. And truly the greatest miracle was that this century, both rude and inept, had the power to express itself through Giotto so wisely that the drawing, about which people of that time had little or no idea, thanks to him completely came back to life.

It is enough that all these works as a whole brought Giotto the greatest fame for his beautiful figures and for the harmony, proportionality, liveliness and lightness that he possessed by nature, and that he greatly enhanced by science and was able to clearly show everything. And since besides what Giotto possessed by nature, he was very diligent and constantly conceived and learned something new in nature, he deserved to be called a disciple of nature, and not other teachers.

I am the one by whom the faded painting resurrected again.
Whose hand was as thin as light
What is the lack of art, nature didn’t give it,
No one else wrote, better no one knew how.
Do you marvel at the tower with the great, ringing sacred copper?
With a compassionate faithful mine to the stars, she is lifted up.
Giotto is a nickname to me. Whose creation will express it?
My name will be praised as long as eternity.

•  

  Judas Kiss

•  

  Temple Introduction

•  

  Flight to Egypt

•  

  Adoration of the Magi

•  

  Anna's blessing

•  

  The miracle with the source

•  

  Crucifix

Money

Giotto on commemorative 2 euro coins

In 2017, the Republic of San Marino issued a commemorative coin in denominations of 2 euros in honor of the 750th anniversary of the birth of Giotto di Bondone.

• 2004 - Gospel of Giotto - Scrovegni Chapel in Padua / Il Vangelo secondo Giotto. La Capella degli Scrovegni a Padova (dir. Luca Criscenti / Nino Criscenti / Nino Criscenti) - documentary

• Previtali G. Giotto e la sua bottega. - Milano, 1967.
• Album. Giotto. Comp. Danilova I.E., Moscow: Fine Arts, 1969.
• Vysheslavtsev A.V. Giotto and giottists, St. Petersburg: publication of the bookseller Wolf M.O., 1881.
• Bellosi L. Giotto. - M. , 1996.
• Alpatov M.V. Italian art of the era of Dante and Giotto. - M .; L., 1939.
• Wolf N. Giotto = Giotto (Norbert Wolf) / Per. from English A.A. Moiseenkova. - M .: Taschen; Art Spring, 2007 .-- 96 p. - (Back to the source of the vision). - 3000 copies. - ISBN 978-5-9794-0035-8 .
• Turtefiri A. Giotto: The Treasury of World Masterpieces / Per. with it. D. Kizilova. - M .: BMM, 2011 .-- 160 p. - 3000 copies. - ISBN 978-5-88353-449-1 .
• Lazarev V.N. Vol. 1 // The Origin of the Italian Renaissance. - M. , 1956.
• Vasari. LIFE DESCRIPTION OF GIOTTO OF THE FLORENTIAN PAINTER, SCULPTOR AND ARCHITECT (neopr.) . Date of treatment May 3, 2017.

• Gallery of works by Giotto di Bondone
• Timeline of life
• Frescoes by Giotto di Bondone at the Chapel del Arena in Padua, gallery and story